왕벌의 비행

음악에서의 동작 /ko/lessons/bdp100/ 음악에서의 동작 음악성, 음악에서의 동작, 그리고 Tabuteau의 '드라이브'에 대한 설명. 음악성, 음악에서의 동작, 그리고 Tabuteau의 '드라이브'에 대한 설명. 0
음악에서의 동작 /ko/lessons/bdp100/#chapter-00-00 음악: Orefici의 멜로디 연습 1번 중 00:00 1
음악에서의 동작 /ko/lessons/bdp100/#chapter-00-23 1. 바순 디지털 교수 시리즈, 그 100번째 영상에 오신 것을 환영합니다. 저는 이 뜻깊은 이정표를 여러분과 함께하게 되어 매우 기쁩니다. 2. 저는 저의 교수법에서 가장 중요한 개념 가운데 하나를 요약한 특별한 영상을 준비했습니다. 그 주제는 바로 음악에서의 동작(Motion in Music) 입니다. 00:23 2
음악에서의 동작 /ko/lessons/bdp100/#chapter-00-47 3. 음악에서의 동작에 관한 글은 매우 많이 있습니다. 음악가들에게 잘 알려진 책 가운데 하나는 David McGill의 Sound in Motion입니다. 그러나 음악을 설명하기 위해 동작(Motion) 이라는 은유를 사용하는 사람은 McGill만이 아닙니다. 4. 많은 현대 음악가, 음악이론가, 그리고 철학자들도 이 주제에 대해 글을 남겼습니다. 저 역시 여러 글에서 음악에서의 동작을 언급하였습니다. 5. 음악에서의 동작이라는 개념은 바로크 시대의 대위법 논문들, 그리고 그 이전까지도 거슬러 올라갑니다. 6. 이 주제를 더 깊이 공부하고 싶으시다면 www.2reed.net/motion에서 제가 준비한 참고문헌을 보시기 바랍니다. 자, 시작하겠습니다. 00:47 3
음악에서의 동작 /ko/lessons/bdp100/#chapter-01-35 7. 그렇다면 연주자는 어떻게 음악에 동작을 더할까요? 또 음악적 방향(Musical Direction) 이란 무엇을 의미할까요? 8. 일반적으로 우리는 세 가지 방법으로 음악의 동작을 표현합니다. - 강약(크레센도와 디미누엔도) - 비브라토 속도의 변화 - 루바토(템포를 약간 빠르게 또는 느리게 하는 것) 9. 물론 동작을 표현하는 다른 방법들도 있지만, 이 영상에서는 이 세 가지를 중심으로 다루겠습니다. 01:35 4
음악에서의 동작 /ko/lessons/bdp100/#chapter-02-07 10. Marcel Tabuteau는 Drive라는 용어를 만들었습니다. Drive란 음악의 어떤 요소를 점진적으로 변화시키는 것으로, 하나의 음악적 매개변수(musical parameter) 라고 할 수 있습니다. 11. 여기 강약만을 이용한 Drive의 예가 있습니다. 메트로놈을 4분음표 = 60으로 맞추십시오. 12. 이것은 다섯 박자 연습입니다. 첫 번째 마디도 다섯 박, 두 번째 마디도 다섯 박입니다. 이 아이디어는 Norman Herzberg에게서 배웠습니다. 13. 다섯 박자 연습을 익히고 나면 각 마디마다 박자를 하나씩 늘려 보십시오. 악기의 전 음역에서 계속 박자를 늘리며 자신에게 도전해 보십시오. 14. 이러한 강약 Drive는 아티큘레이션과 함께 연습할 수도 있습니다. Drive를 연습하는 방법은 매우 다양하므로 오랫동안 흥미롭게 연습할 수 있습니다. 창의적으로 연습하십시오! 02:07 5
음악에서의 동작 /ko/lessons/bdp100/#chapter-02-54 15. 이제 Alberto Orefici의 Melodic Study No. 1의 짧은 부분을 통해 음악적 동작을 살펴보겠습니다. Orefici는 이 부분에서 음악의 클라이맥스를 매우 명확하게 보여 줍니다. 16. 두 번째 마디 첫 박이 첫 번째 음악적 목표입니다. 네 번째 마디의 앞꾸밈음(Appoggiatura) 이 있는 네 번째 박이 또 하나의 목표입니다. 17. 마지막 두 목표는 둘째 줄 첫 마디의 첫 박, 그리고 셋째 마디의 E3 앞꾸밈음입니다. 18. 음악성을 연습하는 방법은 여러 가지가 있습니다. 여기에서는 단일음 G4를 연주하면서 비브라토와 강약을 함께 변화시키겠습니다. 박자를 들을 수 있도록 발을 두드리겠습니다. 〈발로 박자를 맞추며 연주하는 단음〉 19. 비브라토의 속도가 빨라지고 강약이 커질수록 음악은 앞으로 나아가는 느낌을 갖게 됩니다. 조금 전의 연주를 통해 이러한 요소를 잘 들으셨기를 바랍니다. 20. 반대로 음악이 목표 지점에서 멀어질 때에는 긴장을 풀어 주어야 합니다. 즉, 느린 비브라토와 디크레센도가 사용됩니다. 21. 제가 단음을 연주할 때에는 머릿속으로 음악을 듣고 있습니다. 이것을 오디에이션(Audiation) 이라고 합니다. 이번에는 같은 단음을 다시 연주하면서 악보의 어느 부분을 표현하고 있는지 함께 보여드리겠습니다. 〈발로 박자를 맞추며 연주하는 단음〉 22. 왜 단음 연습이 이렇게 중요한 연습 방법일까요? 만약 여러분이 하나의 음을 음악적으로 연주하지 못한다면, 여러 음으로 이루어진 선율도 음악적으로 연주할 수 없습니다. 23. 많은 음들은 단지 여러분의 부족한 음악성을 가려 줄 뿐입니다. 24. 이번에는 같은 단음을 다시 연주하되, 텅잉으로 박자를 표현해 보겠습니다. 〈텅잉으로 박자를 맞추며 연주하는 단음〉 25. 방금 제가 텅잉을 할 때마다 비브라토를 새로 시작하지 않았다는 것을 눈치채셨습니까? 비브라토를 아티큘레이션 패턴에 맞추는 것은 매우 좋지 않은 습관입니다. 26. 절대로 그렇게 하지 마십시오! 비브라토는 아티큘레이션과 독립적으로 움직여야 합니다. 02:54 6
음악에서의 동작 /ko/lessons/bdp100/#chapter-07-15 27. 이제 비브라토와 강약을 각각 따로 연습해야 합니다. 궁극적으로는 두 요소를 완전히 독립적으로 조절할 수 있어야 합니다. 28. 예를 들어 디크레센도를 하면서도 비브라토의 속도는 더 빠르게 만들 수도 있습니다. 여기 강약과 비브라토가 서로 반대 방향으로 움직이는 예가 있습니다. 07:15 7
음악에서의 동작 /ko/lessons/bdp100/#chapter-07-55 29. 이제 루바토를 연습해 보겠습니다. 루바토는 템포를 약간 빠르게 하거나 늦추는 것입니다. 템포의 변화를 들을 수 있도록 8분음표를 텅잉하며 연주하겠습니다. 30. 루바토는 매우 세련되게 사용되어야 합니다. 갑자기 빨라지거나 느려져서는 안 됩니다. 청중이 음악의 진행을 자연스럽게 따라갈 수 있도록 연주해야 합니다. 31. 이것은 마치 완만한 롤러코스터를 타는 것과 비슷합니다. 부드럽게 올라가고 내려가며, 갑작스럽게 움직이지 않고 중력에 의해 자연스럽게 가속과 감속이 이루어집니다. 〈Orefici의 멜로디 연습 1번 중 일부를 8분음표 텅잉으로 연주〉 32. 음악의 선율도 야구공이 포물선을 그리며 날아가는 것과 비슷합니다. 공이 날아가는 모습을 잠시 보다가 눈을 감더라도 어디에 떨어질지 예상할 수 있습니다. 33. 루바토 역시 마찬가지입니다. 음악의 목표 지점이 자연스럽고 필연적으로 느껴져야 합니다. 선율은 자연스러운 결과를 향해 흘러가야 합니다. 34. 음악적으로 연주하려면 오히려 더 정확하고 계산적인 사고가 필요합니다. 저는 음악을 연주할 때 머릿속에서 매우 세밀하게 박자를 나누고 있습니다. 35. 저는 "하나, 둘, 셋…" 같은 숫자를 듣는 것이 아니라, 조금 전에 들려드린 텅잉 패턴처럼 맥박(Pulse) 과 박(Beat) 을 듣습니다. 36. 음악성은 저절로 생기는 것이라고 생각하는 함정에 빠지지 마십시오. 테크닉을 연습해야 하는 것처럼, 음악성도 반복해서 훈련해야 합니다. 07:55 8
음악에서의 동작 /ko/lessons/bdp100/#chapter-08-21 37. 하나님께서 허락하신다면 앞으로도 이 시리즈에서 또 다른 100편의 영상을 만들고 싶습니다. 여러분과 나누고 싶은 아이디어는 아직도 아주 많지만, 그 모든 영상과 자료를 만들기에는 시간이 늘 부족합니다. 08:21 9
음악에서의 동작 /ko/lessons/bdp100/#chapter-08-39 38. 이제 Orefici의 Melodic Study No. 1 첫 두 줄의 연주를 들려드리며 이 영상을 마치겠습니다. 하나님의 축복이 함께하시길 바랍니다. 감사합니다. 〈Orefici의 Melodic Study No. 1 중〉 08:39 10
바이센본 연습곡 제1번 연습 /ko/lessons/bdp109/ 바이센본 연습곡 제1번 연습 바이센본(Weissenborn) 작품 번호 8/2, 고급 레벨의 바순 전공생을 위한 스터디 #1. 리듬과 드론 연습. BDP #109 0
바이센본 연습곡 제1번 연습 /ko/lessons/bdp109/#chapter-00-18 1. 안녕하세요, 저는 테리 이웰 교수입니다. 바순 고급 레벨을 위한 줄리어스 바이센본의 바순 스터디, 작품 번호 8번의 연습 방법에 대한 강의를 여러분과 나누게 되어 기쁩니다. 00:18 1
바이센본 연습곡 제1번 연습 /ko/lessons/bdp109/#chapter-00-33 2. 이 강의 비디오는 Fifty Bassoon Studies의 공개 도메인 사본을 사용합니다. 공개 도메인 악보 IMSLP 악보 | 대체 PDF 00:33 2
바이센본 연습곡 제1번 연습 /ko/lessons/bdp109/#chapter-00-40 3. 제가 사용한 악보의 에디션은 Universal Bassoon Edition (No. 18122) 입니다. 이제 강의를 시작합시다! 00:40 3
바이센본 연습곡 제1번 연습 /ko/lessons/bdp109/#chapter-00-54 4. 바이센본은 이 작품이 완전한 풀 톤(full tone) 으로 연주되어야 한다고 했습니다. 그것을 저의 해석으로 다시 이야기한다면, 연주자는 이 곡을 포르테(forte) 의 큰 다이내믹으로 연주해야 합니다. 연습할 때마다 가장 좋은 톤, 가장 아름다운 소리를 항상 낼 수 있도록 연습해 보세요. 00:54 4
바이센본 연습곡 제1번 연습 /ko/lessons/bdp109/#chapter-01-11 5. 그리고 이 곡을 연주할 때 음정을 정확하게 내야 하는 것을 잊지 마세요. 가장 좋은 방법은 튜닝 드론을 사용하는 것입니다. 드론이란 지속적으로 기준음을 들려주는 것으로, 저의 웹사이트에서 무료로 다운로드할 수 있습니다. 드론 다운로드 https://2reed.net/2_drones.html 01:11 5
바이센본 연습곡 제1번 연습 /ko/lessons/bdp109/#chapter-01-29 6. C와 G 드론으로 이 연습곡을 연습해 보세요. 자신의 귀로 들으며 정확한 음정을 맞추도록 노력해 보세요! 예시: 드론 01:29 6
바이센본 연습곡 제1번 연습 /ko/lessons/bdp109/#chapter-02-10 7. 이 작품에서는 고른 운지 또한 매우 중요합니다. 운지를 익히는 가장 좋은 방법은 다양한 리듬을 사용하여 연습하는 것입니다. 여러 가지 리듬 패턴을 적용해 연습해 보세요. 예시: 드론 8. 이 연습곡에서도 고른 운지가 필요합니다. 운지를 익히는 가장 좋은 방법은 리듬을 이용한 연습입니다. 여러 가지 다양한 리듬을 사용하여 연습해 보세요. 예시: 리듬 02:10 7
바이센본 연습곡 제1번 연습 /ko/lessons/bdp109/#chapter-03-11 1. “여호와 하나님이 그 사람을 이끌어 에덴 동산에 두어 그것을 경작하며 지키게 하시고.” (창세기 2:15) 2. 하나님께서는 아담과 하와에게 가꾸고 돌볼 동산을 맡기셨습니다. 우리 각자에게도 하나님께서 맡기신 일이 있습니다. 이 바순 연습곡이 바로 여러분이 가꾸어야 할 정원이라고 생각해 보십시오. 아름다운 것을 만들어 내기 위해 열심히 연습하고, 잡초를 뽑아내듯 자신의 부족한 점을 하나씩 다듬어 가십시오. 여러분의 노력과 그 노력으로 맺게 될 열매와 아름다운 꽃을 기쁨으로 누리시기 바랍니다. 03:11 8
바이센본 연습곡 제2번 연습 /ko/lessons/bdp110/ 바이센본 연습곡 제2번 연습 바이젠본 작품번호 8/2, 고급 레벨의 바순 전공생을 위한 스터디 #2. 아티큘레이션을 하며 공기를 증가시키는 방법. BDP #110 0
바이센본 연습곡 제2번 연습 /ko/lessons/bdp110/#chapter-00-19 1. 환영합니다! 테리 이웰 교수입니다. 오늘의 강의에서는 이 바이젠본 스터디 제2번을 연주하고 연습할 때 흔히 나타나는 세 가지 문제에 대해 말씀드리고자 합니다. 첫 번째 문제는 많은 학생들이 이 곡을 너무 빠르게 연주한다는 것입니다. 보통 한 마디를 한 박으로 느끼며 연주하지만, 바이젠본은 이 곡을 한 마디에 세 박자를 느끼며 연주하도록 의도하였습니다. 그는 Allegretto와 함께 tempo di minuetto라는 템포 지시를 적어 놓았습니다. 이것은 미뉴에트의 템포로 연주하라는 의미입니다. 00:19 1
바이센본 연습곡 제2번 연습 /ko/lessons/bdp110/#chapter-00-50 2. 두 번째 문제는 슬러로 연결된 음이 텅잉한 음보다 더 크게 들린다는 것입니다. 이것은 관악기 연주자들에게 매우 흔히 나타나는 문제입니다. 길게 지속되는 음은 짧은 음보다 자연스럽게 더 크게 들립니다. 이 문제를 해결하기 위해서는 짧은 음에 더 많은 공기를 사용하여 두 종류의 음이 균형을 이루도록 해야 합니다. 예시: 균형이 맞지 않는 연주 / 균형이 잘 맞는 연주 00:50 2
바이센본 연습곡 제2번 연습 /ko/lessons/bdp110/#chapter-01-36 3. 세 번째 문제는 바순 연주자들이 텅잉할 때 턱을 움직이는 경우가 많다는 것입니다. 이것은 비효율적일 뿐만 아니라, 심한 경우에는 음정과 음색까지 변화시킬 수 있습니다. 슬러를 연주하든 텅잉을 하든, 공기의 흐름과 취구(엠부슈어)의 위치는 항상 동일하게 유지되어야 합니다. 예시: 모두 슬러 / 아티큘레이션 사용 01:36 3
바이센본 연습곡 제2번 연습 /ko/lessons/bdp110/#chapter-02-25 4. 거울 앞에서 이 연습을 해 보면서 자신의 엠부슈어(취구)가 올바르게 유지되고 있는지 확인해 보세요. 02:25 4
바이센본 연습곡 제2번 연습 /ko/lessons/bdp110/#chapter-02-32 여호와 하나님이 그 사람을 이끌어 에덴 동산에 두어 그것을 경작하며 지키게 하시고 (창세기 2:15) 당신의 인생을 하나의 정원이라고 생각해 보십시오. 그 정원은 여러분이 하는 모든 일로 이루어집니다. 5. - 어떻게 악기를 연습하는가. - 어떻게 다른 사람들과 이야기하는가. - 어떻게 다른 활동들을 하는가. 당신의 정원을 더욱 아름답게 만들기 위해 무엇을 할 수 있을지 생각해 보십시오. 02:32 5
바이젠본 연습곡 제3번 연습 /ko/lessons/bdp111/ 바이젠본 연습곡 제3번 연습 바이젠본 작품번호 8/2, 고급 레벨의 바순 전공생을 위한 스터디 #3. 아티큘레이션의 향상. BDP #111 0
바이젠본 연습곡 제3번 연습 /ko/lessons/bdp111/#chapter-00-17 1. 바이젠본의 제3번 연습곡에 관한 강의에 오신 것을 환영합니다. 바이젠본은 이 연습곡을 sempre staccato, 즉 항상 음을 분리하여 연주하라고 지시합니다. 또한 leggiero라는 지시를 사용하였는데, 여기서는 텅잉을 가볍게 하라는 의미입니다. 00:17 1
바이젠본 연습곡 제3번 연습 /ko/lessons/bdp111/#chapter-00-44 2. 많은 바순 연주자들은 아티큘레이션을 할 때 턱을 움직입니다. 마치 음을 씹듯이 연주하는 것입니다. 이러한 불필요한 움직임은 피해야 합니다. 먼저 거울 앞에서 레가토 텅잉으로 연습해 보십시오. 예시 3. 이제 더 짧은 음으로 연주해 보십시오. 그러나 턱의 움직임은 바꾸지 마십시오. 예시 00:44 2
바이젠본 연습곡 제3번 연습 /ko/lessons/bdp111/#chapter-01-09 4. 이 연습곡에서는 플릭 키(flick key) 또는 벤팅 키(venting key) 를 사용하는 것이 중요합니다. 이 곡은 충분히 느리기 때문에 위스퍼 키(피아노 키)와 플릭 키를 번갈아 사용하며 연습할 수 있습니다. 플릭 키는 음이 깨끗하게 시작되도록 도와줍니다. 01:09 3
바이젠본 연습곡 제3번 연습 /ko/lessons/bdp111/#chapter-01-58 5. 여기 플릭 키를 사용하지 않은 좋지 않은 아티큘레이션의 예를 보여 드리겠습니다. 예시 6. 여기 플릭 키를 사용한 깨끗한 아티큘레이션의 예를 보여 드리겠습니다. 예시 7. 다음은 플릭 키 운지에 사용되는 음들과 운지법입니다. 01:58 4
바이젠본 연습곡 제3번 연습 /ko/lessons/bdp111/#chapter-02-34 8. 프레이징을 더욱 음악적으로 만들 수 있는 부분에서 숨을 쉬십시오. 호흡에 관한 더욱 자세한 설명은 바이젠본 연습곡 제9번 비디오를 참고하시기 바랍니다. 9. 제가 숨을 쉴 때 턱을 아래로 빠르게 떨어뜨려 호흡하는 것을 보실 수 있을 것입니다. 저는 숨을 쉴 때 머리 전체를 움직이지 않습니다. 턱을 아래로 떨어뜨려 빠르게 호흡하는 것이 가장 효율적인 방법입니다. 02:34 5
바이젠본 연습곡 제3번 연습 /ko/lessons/bdp111/#chapter-02-56 창세기 2장 7절 “여호와 하나님이 땅의 흙으로 사람을 지으시고 생기를 그 코에 불어넣으시니 사람이 생령이 되니라.” 당신이 하는 모든 일들, 즉 연습하고, 이야기하고, 걷는 것과 같은 모든 활동은 단지 신체적인 활동일 뿐만 아니라 영적인 활동이기도 합니다. 우리는 육체 안에 영을 가진 살아 있는 존재입니다. 당신의 몸이 가는 곳에는 당신의 영도 함께 갑니다. 당신의 영혼이 음악과 함께 노래할 수 있는 삶을 살아가시기 바랍니다. 02:56 6
바이젠본 연습곡 제4번 연습 /ko/lessons/bdp112/ 바이젠본 연습곡 제4번 연습 바이젠본 작품번호 8/2, 고급 레벨의 바순 전공생을 위한 스터디 #4. 플릭 키에 대한 연구. BDP #112 0
바이젠본 연습곡 제4번 연습 /ko/lessons/bdp112/#chapter-00-19 1. 지난 제3번 연습곡 강의에서는 플릭 키 운지법을 소개했습니다. 이번 제4번 연습곡에서도 플릭 키, 즉 벤팅 키를 다시 사용합니다. 다만 이번에는 D4(레) 를 위한 플릭 키가 하나 더 추가됩니다. 보통 저는 D음을 텅잉할 때는 플릭 키를 사용하지 않습니다. 그러나 D4까지 슬러로 연결하여 올라갈 때에는 플릭 키를 사용하는 것이 필요합니다. 00:19 1
바이젠본 연습곡 제4번 연습 /ko/lessons/bdp112/#chapter-00-50 2. 부드러운 슬러를 만들기 위해서는 위스퍼(피아노) 키를 조금 일찍 놓아야 합니다. 처음에는 다음과 같은 방법으로 연습하면 도움이 될 것입니다. 00:50 2
바이젠본 연습곡 제4번 연습 /ko/lessons/bdp112/#chapter-01-25 3. 제4마디에서 E4(미) 로 슬러를 연결할 때에는 오른손 첫 번째 손가락을 떼는 것이 가장 좋은 방법입니다. 01:25 3
바이젠본 연습곡 제4번 연습 /ko/lessons/bdp112/#chapter-01-36 4. 많은 학생들은 셋잇단음표에서 둘잇단음표로 전환하는 것을 어려워합니다. 음 사이의 간격을 고르게 만들기 위해 다음 연습을 해 보십시오. 01:36 4
바이젠본 연습곡 제4번 연습 /ko/lessons/bdp112/#chapter-02-17 5. 셋잇단음표를 시작하기 바로 전 박에서, 마음속으로 셋잇단음표를 세분하여 느끼면 셋잇단음표의 시작을 더욱 정확하게 연주할 수 있습니다. 예시: 셋잇단음표 세분화 02:17 5
바이젠본 연습곡 제4번 연습 /ko/lessons/bdp112/#chapter-02-27 6. 페르마타의 일반적인 원칙은 원래 음가의 약 두 배 정도 길게 유지하는 것입니다. 따라서 여기의 4분음표는 대략 2분음표 길이만큼 유지하면 됩니다. 02:27 6
바이젠본 연습곡 제4번 연습 /ko/lessons/bdp112/#chapter-02-39 7. 카에수라는 음악에서 잠시 멈추거나 침묵하는 것을 나타내는 기호입니다. 영어에서는 비공식적으로 이 기호를 "철길(railroad tracks)" 이라고 부르기도 합니다. 02:39 7
바이젠본 연습곡 제4번 연습 /ko/lessons/bdp112/#chapter-02-53 창세기 1장 31절 “하나님이 지으신 그 모든 것을 보시니 보시기에 심히 좋았더라.” 때때로 저는 바순을 연주할 때 제 손에서 악기가 공명하는 느낌 자체를 즐깁니다. 어떤 때에는 그 소리가 제 몸 전체에 울려 퍼지는 것을 느끼기도 합니다. 악기를 통해 표현할 수 있는 아름다움은 참으로 놀랍습니다. 정말 아름다운 선물입니다! 하나님께서 주신 이 훌륭하고 아름다운 선물에 감사하는 마음으로 연주하시기 바랍니다. 02:53 8
바이젠본 연습곡 제5번 연습 /ko/lessons/bdp113/ 바이젠본 연습곡 제5번 연습 바이젠본 작품번호 8/2, 고급 레벨의 바순 전공생을 위한 스터디 #5. 다양한 아티큘레이션, 프레이징과 호흡. BDP #113 0
바이젠본 연습곡 제5번 연습 /ko/lessons/bdp113/#chapter-00-00 튜토리얼 1. Furioso라는 말의 의미는 "강력한", 또는 "격렬한" 이라는 뜻입니다. 이 연습곡은 많은 에너지를 가지고 연주해야 합니다. 00:00 1
바이젠본 연습곡 제5번 연습 /ko/lessons/bdp113/#chapter-00-26 2. 이 곡에는 모두 서로 다르게 연주해야 하는 다섯 가지 아티큘레이션이 있습니다. 순서대로 스타카티시모, 아무 표시 없음, 스타카토, 엑센트, 그리고 엑센트가 있는 스타카토입니다. 00:26 2
바이젠본 연습곡 제5번 연습 /ko/lessons/bdp113/#chapter-00-54 3. 저는 이 곡에서 스타카티시모로 표시된 음들을 스타카토보다 더 짧게 연주할 뿐 아니라, 엑센트도 함께 주어 연주하는 것을 선호합니다. 이것이 Furioso라는 표현을 더욱 잘 나타낸다고 생각합니다. 엑센트가 있는 스타카토는 음을 분리하고 강조하여 연주해야 하지만, 스타카티시모만큼 짧게 연주해서는 안 됩니다. 00:54 3
바이젠본 연습곡 제5번 연습 /ko/lessons/bdp113/#chapter-01-15 4. 다음의 아티큘레이션 연습을 통해 혀의 조절 능력을 향상시키십시오. 숫자 1은 가장 짧은 길이(스타카티시모)를, 숫자 5는 가장 긴 길이(레가토 텅잉)를 의미합니다. 예시: 아티큘레이션 연습 01:15 4
바이젠본 연습곡 제5번 연습 /ko/lessons/bdp113/#chapter-01-34 창세기 2장 18절 “여호와 하나님이 이르시되 사람이 혼자 사는 것이 좋지 아니하니 내가 그를 위하여 돕는 배필을 지으리라 하시니라.” 정원을 가꾸는 일은 다른 사람들이 함께 도와줄 때 더욱 즐겁습니다. 우리 모두는 다른 사람들의 도움과 격려가 필요합니다. 연습이 여러분을 혼자만의 세계에 갇힌 사람이 되게 하지 마십시오. 여러분의 재능과 경험을 다른 사람들과 기꺼이 나누십시오. 01:34 5
바이젠본 연습곡 제6번 연습 /ko/lessons/bdp114/ 바이젠본 연습곡 제6번 연습 바이젠본 작품번호 8/2, 고급 레벨의 바순 전공생을 위한 스터디 #6. 우아한 연주 스타일, Playing on the Wind, G3에서 G2로의 슬러. BDP #114 0
바이젠본 연습곡 제6번 연습 /ko/lessons/bdp114/#chapter-00-20 튜토리얼 1. 환영합니다. 저는 테리 이웰입니다. 바이젠본은 제6번 연습곡에 Allegretto grazioso라는 지시를 붙였습니다. 이 곡은 빠른 템포이지만, 지나치게 공격적이지 않고 우아한(grazioso) 느낌으로 연주해야 합니다. 학생들이 흔히 범하는 실수 가운데 하나는 슬러로 연결된 스타카토 음들에 엑센트를 주는 것입니다. 이러한 음들은 텅잉으로 시작해서도 안 되고, 엑센트를 주어서도 안 됩니다. 대신 슬러로 연결된 각각의 두 음은 약간의 디미누엔도를 만들어 주어야 합니다. 스타카토 표시는 바이젠본이 슬러로 연결된 각 음쌍 사이를 분리하여 연주하기를 원했다는 뜻입니다. 디미누엔도로 연주한 예 00:20 1
바이젠본 연습곡 제6번 연습 /ko/lessons/bdp114/#chapter-01-09 2. 제2번 연습곡에서는 턱을 지나치게 움직이지 않는 것에 대해 이야기했습니다. 이 연습곡에도 턱의 움직임을 최소화해야 하는 부분들이 있습니다. 8분음표 스케일은 Playing on the Wind라고 하는 테크닉을 연습하기에 매우 좋은 부분입니다. 이 부분에서는 텅잉으로 연주하든 슬러로 연주하든 호흡의 지지와 엠부슈어가 동일하게 유지되어야 합니다. 슬러와 텅잉의 예 01:09 2
바이젠본 연습곡 제6번 연습 /ko/lessons/bdp114/#chapter-01-52 3. 물론 디미누엔도로 음을 다듬을 때에는 턱이나 엠부슈어가 움직여야 합니다. 예를 들어, 첫째와 둘째 마디의 우아한 스타카토 음들은 엠부슈어를 약간 닫아 주는 움직임으로 만들어집니다. 01:52 3
바이젠본 연습곡 제6번 연습 /ko/lessons/bdp114/#chapter-02-08 4. 세 번째 줄의 첫 번째와 두 번째 마디는 특별한 주의가 필요합니다. 점4분음표를 8분음표 단위로 정확하게 세분하여 올바른 길이만큼 유지하도록 연습하십시오. 메트로놈과 점4분음표 위에 표시된 8분음표 세분화를 사용한 연습 예 02:08 4
바이젠본 연습곡 제6번 연습 /ko/lessons/bdp114/#chapter-02-29 5. 두 번째 마디에는 바순에서 연주하기 어려운 하행 슬러가 있습니다. 저는 첫 번째 손가락을 들어 올렸다가 슬러를 위해 단단히 내려놓습니다. 또한 슬러를 돕기 위해 턱을 약간 아래쪽과 앞으로 움직입니다. 손가락 움직임과 턱 움직임의 예 02:29 5
바이젠본 연습곡 제6번 연습 /ko/lessons/bdp114/#chapter-03-12 창세기 3장 8절 “그들이 그 날 바람이 불 때 동산에 거니시는 여호와 하나님의 소리를 듣고…” 에덴동산은 남자와 여자, 그리고 하나님께서 함께 시간을 보내시는 거룩한 장소였습니다. 아담과 하와는 자신들의 기쁨만을 위해 동산을 가꾼 것이 아니라, 하나님을 기쁘게 맞이하는 장소가 되도록 동산을 돌보았습니다. 여러분의 모든 활동, 곧 여러분의 정원이 하나님께서 기꺼이 찾아오시고 머물고 싶어 하시는 곳이 되도록 살아가시기 바랍니다. 03:12 6
첫 번째 바순 레슨, 파트 1 /ko/lessons/bdp25/ 첫 번째 바순 레슨, 파트 1 첫 번째 바순 레슨. 리드 관리, 엠부슈어, 그리고 바순 조립. 첫 번째 바순 레슨. 리드 관리, 엠부슈어, 그리고 바순 조립. 0
첫 번째 바순 레슨, 파트 1 /ko/lessons/bdp25/#section-00-13-01 음악: 비발디 E단조 협주곡, 제1악장 1. 환영합니다. 이 첫 번째 비디오는 바순을 처음 배우는 학생들과 어린 학생뿐 아니라 성인 초급 바순 연주자를 지도하는 선생님들을 위한 시리즈입니다. 2. 이 강의가 여러분께 많은 도움이 되기를 바랍니다. 이번 레슨에서는 바순 리드와 바순의 관리 및 유지, 연주 자세, 엠부슈어, 그리고 몇 가지 기본 운지법에 대해 설명하겠습니다. 자, 시작해 봅시다. 00:13 1
첫 번째 바순 레슨, 파트 1 /ko/lessons/bdp25/#section-00-46-02 3. 먼저 바순 리드는 미지근한 물이나 따뜻한 물에 담그는 것이 좋습니다. 매일 사용하는 리드라면 보통 30초에서 1분 정도면 충분합니다. 오랫동안 사용하지 않았던 리드라면 약 5분 정도 담가 두는 것이 좋습니다. 00:46 2
첫 번째 바순 레슨, 파트 1 /ko/lessons/bdp25/#section-01-08-03 4. 리드가 충분히 젖으면 연주할 준비가 된 것입니다. 바순의 엠부슈어는 매우 유연합니다. 싱글 리드 악기처럼 엠부슈어가 리드에 고정되는 것이 아니라, 바순 리드는 입 안팎으로 움직이며, 특히 턱은 악기의 모든 음역에서 계속 움직입니다. 실제로 다이내믹도 턱과 엠부슈어의 위치에 따라 달라집니다. 01:08 3
첫 번째 바순 레슨, 파트 1 /ko/lessons/bdp25/#section-01-41-04 5. 따라서 바순에서는 매우 유연한 엠부슈어를 사용한다는 점을 이해하는 것이 중요합니다. 엠부슈어를 만드는 한 가지 방법은 낮은 휘파람을 불어 보는 것입니다. 턱을 아래로 내리고 리드를 감싸는 모양을 만든 다음, 손가락으로 입술을 약간 안쪽으로 말아 넣으면 바순 엠부슈어와 매우 비슷한 형태가 됩니다. 01:41 4
첫 번째 바순 레슨, 파트 1 /ko/lessons/bdp25/#section-02-17-05 6. 특히 저음역에서는 리드가 내는 소리, 즉 "크로우(crow)"를 통해 올바른 엠부슈어를 확인할 수 있습니다. 리드를 입에 물고 방금 설명한 엠부슈어를 만들어 보십시오. 7. 지금은 높은 음 하나만 들립니다. 턱을 조금 내리고 엠부슈어를 약간 느슨하게 하면 한 옥타브 아래의 음이 납니다. 음이 내려가는 것을 들을 수 있을 것입니다. 조금 더 느슨하게 하면 우리가 "크로우"라고 부르는 소리가 납니다. 8. 크로우는 가장 느슨한 엠부슈어에서 만들어집니다. 이러한 엠부슈어는 특히 저음역에서 사용됩니다. 높은 음으로 올라갈수록 높은 음을 내기 위해 엠부슈어는 점점 단단해집니다. 그러나 초보자에게는 먼저 이러한 느슨한 엠부슈어를 익히는 것이 좋습니다. 포르테의 크고 풍부한 소리로 연주해 보십시오. 이것이 다른 엠부슈어를 만드는 기준이 됩니다. 02:17 5
첫 번째 바순 레슨, 파트 1 /ko/lessons/bdp25/#section-03-30-06 9. 이제 텅잉에 대해 간단히 말씀드리겠습니다. 바순에서는 혀를 리드에 댄 상태에서 공기를 시작하고 혀를 떼면서 음을 시작합니다. 혀를 떼면 리드가 진동합니다. 지금 단계에서는 혀로 리드를 멈추는 연습만 하겠습니다. 아티큘레이션은 다른 레슨에서 더 자세히 다루겠습니다. 혀를 대고 떼면서 음을 시작하고 끝내는 연습을 해 보십시오. 조금 더 가까이에서 보여드리겠습니다. 불편하지 않기를 바랍니다. 제가 사용하는 혀의 위치를 보여드리겠습니다. 10. 리드와 혀의 위치를 보시면, 리드는 혀끝보다 약간 뒤쪽, 혀 윗면에 닿습니다. 그런 다음 혀를 떼고 다시 리드에 대는 동작을 반복합니다. 좋습니다. 이제 바순을 처음 조립해 보겠습니다. 여러분도 첫 번째 바순 조립이 매우 기대될 것입니다. 03:30 6
첫 번째 바순 레슨, 파트 1 /ko/lessons/bdp25/#section-04-38-07 11. 자, 여기 바순 케이스와 바순이 있습니다. 이제 바순을 올바르게 조립하는 순서를 설명해 드리겠습니다. 먼저 부트 조인트(Boot Joint) 를 꺼냅니다. 이때 키나 키 장치를 누르지 않도록 양옆을 잡고 들어 올리는 것이 중요합니다. 12. 양옆을 잡는 것이 가장 좋은 방법입니다. 저는 팬케이크 키(E키)가 제 쪽을 향하도록 놓습니다. 다음으로 테너 조인트(Tenor Joint) 를 부트 조인트에 연결합니다. 대부분의 바순은 공장에서 조립선을 표시해 두므로, 두 개의 선을 정확하게 맞추어 조립하면 됩니다. 04:38 7
첫 번째 바순 레슨, 파트 1 /ko/lessons/bdp25/#section-06-07-08 13. 다음은 롱 조인트(Long Joint) 를 연결합니다. 제자리에 맞추어 아래로 눌러 끼웁니다. 대부분의 바순에는 위쪽에 잠금장치가 있으며, 이 악기도 잠금장치를 닫아 고정하도록 되어 있습니다. 06:07 8
첫 번째 바순 레슨, 파트 1 /ko/lessons/bdp25/#section-06-34-09 14. 마지막으로 벨(Bell) 을 연결합니다. 벨을 끼울 때에는 이 패드를 눌러 키를 들어 올린 상태에서 벨을 밀어 넣습니다. 06:34 9
첫 번째 바순 레슨, 파트 1 /ko/lessons/bdp25/#section-06-49-10 15. 어느 조인트도 지나치게 빡빡해서는 안 됩니다. 바순을 들어 올렸을 때 조인트가 빠져서는 안 되지만, 그렇다고 무리하게 힘을 주어 조립해서도 안 됩니다. 억지로 끼우면 악기가 손상될 수 있습니다. 06:49 10
첫 번째 바순 레슨, 파트 1 /ko/lessons/bdp25/#section-07-01-11 16. 이제 바순 케이스의 다른 부분들을 살펴보겠습니다. 여기에는 두 개의 보컬(Bocal) 이 있습니다. 보컬은 약간 비틀어 빼도록 되어 있습니다. 17. 이 케이스에는 나중에 설명할 의자 스트랩이 들어 있습니다. 또한 리드 케이스도 함께 있습니다. 리드는 통풍이 잘 되는 곳에 보관하는 것이 중요합니다. 새 리드는 작은 플라스틱 튜브에 들어 있는 경우가 많지만, 이러한 튜브는 공기 순환이 충분하지 않아 리드가 제대로 마르지 못하고 곰팡이가 생길 수 있습니다. 이 케이스도 통풍을 위해 작은 구멍을 몇 개 더 뚫어 주면 더욱 좋습니다. 07:01 11
첫 번째 바순 레슨, 파트 1 /ko/lessons/bdp25/#section-07-55-12 음악: 비발디 「라 노테(La Notte)」 07:55 12
첫 번째 바순 레슨, 파트 2 /ko/lessons/bdp26/ 첫 번째 바순 레슨, 파트 2 첫 번째 바순 레슨, 파트 2. 연주 자세와 첫 번째 운지법. 첫 번째 바순 레슨, 파트 2. 연주 자세와 첫 번째 운지법. 0
첫 번째 바순 레슨, 파트 2 /ko/lessons/bdp26/#section-00-00-01 음악: 비발디 E단조 협주곡, 제1악장 00:00 1
첫 번째 바순 레슨, 파트 2 /ko/lessons/bdp26/#section-00-17-02 1. 자, 이제 바순을 조립했습니다. 이제 연주 자세와 특히 바순을 어떻게 받쳐 연주하는지에 대해 이야기해 보겠습니다. 00:17 2
첫 번째 바순 레슨, 파트 2 /ko/lessons/bdp26/#section-00-23-03 2. 대부분의 미국 바순 연주자들은 보통 가죽으로 만든 의자 끈(seat strap) 을 사용합니다. 어떤 의자 끈은 고리가 있고, 어떤 것은 후크가 있어 바순의 부트 조인트 캡에 연결됩니다. 의자 끈을 사용할 때에는 후크를 자신과 가장 가까운 구멍에 연결합니다. 3. 바순은 무릎 위에 이렇게 놓이게 됩니다. 반드시 이 구멍에 연결해야 하며 반대쪽 구멍에 연결해서는 안 됩니다. 그렇게 하면 문제가 생길 수 있습니다. 이제 의자 끈을 바순에 연결한 뒤, 의자 끈이 몸 아래로 지나가도록 앉습니다. 00:23 3
첫 번째 바순 레슨, 파트 2 /ko/lessons/bdp26/#section-01-16-04 4. 아직은 보컬을 끼우지 않았습니다. 그것은 조금 뒤에 하겠습니다. 먼저 바순을 어떻게 잡고 운지하는지 살펴보겠습니다. 바순은 제 오른쪽 엉덩이 옆에 위치합니다. 01:16 4
첫 번째 바순 레슨, 파트 2 /ko/lessons/bdp26/#section-01-35-05 5. 제가 가죽 의자 끈 위에 앉아 있는 것을 보십시오. 왼손은 윙 조인트(테너 조인트)와 롱 조인트 위에 놓입니다. 대부분의 바순에는 앞쪽에 세 개의 구멍이 있습니다. 이 세 개의 구멍을 손가락으로 덮습니다. 뒤쪽에는 엄지손가락을 위한 키들이 있습니다. 다시 가까이에서 보여드리겠습니다. 첫 번째 구멍을 열면 F(파) 가 되고, 막으면 E(미) 가 됩니다. 01:35 5
첫 번째 바순 레슨, 파트 2 /ko/lessons/bdp26/#section-02-37-06 6. 두 번째 운지는 D(레) 입니다. 세 번째 운지는 C(도) 입니다. 이 악기에는 손이 작은 사람들을 위해 C홀을 대신하는 보조 키가 있습니다. 오늘 배울 중요한 엄지 키는 위스퍼 키(Whisper Key) 입니다. 이 키를 누르면 보컬의 작은 구멍을 막아 주는 장치가 작동합니다. 02:37 6
첫 번째 바순 레슨, 파트 2 /ko/lessons/bdp26/#section-03-03-07 7. 오른손은 아래쪽에 놓습니다. 첫 번째 레슨에서는 오른손 운지에 대해서는 걱정하지 않겠습니다. 지금은 왼손 운지만 배우겠습니다. 손이 큰 사람들은 손받침(crutch 또는 hand rest) 을 사용하는 것이 도움이 될 수 있습니다. 그러나 지금은 오른손보다 왼손에 집중하겠습니다. 03:03 7
첫 번째 바순 레슨, 파트 2 /ko/lessons/bdp26/#section-03-22-08 8. 바순은 무게 때문에 몸을 앞으로 끌어당깁니다. 따라서 그 균형을 맞추기 위해 의자 등받이에 등을 기대고 약간 뒤로 기대어 앉는 것이 좋습니다. 저는 학생들에게 항상 의자 깊숙이 앉아 편안한 자세를 취하도록 권합니다. 03:22 8
첫 번째 바순 레슨, 파트 2 /ko/lessons/bdp26/#section-03-52-09 9. 이제 바순 보컬을 끼울 준비가 되었습니다. 보컬을 끼울 때에는 끝부분을 잡지 말고 위쪽을 잡아야 합니다. 보컬을 이곳에 밀어 넣습니다. 너무 뻑뻑하면 코르크 그리스를 약간 바르는 것이 좋습니다. 10. 이 패드가 아래로 내려와 있지 않은지 확인하십시오. 어떤 악기에는 위스퍼 키 잠금장치가 있어 이 패드를 아래로 누르고 있을 수 있습니다. 잠금장치는 악기의 이 부분이나 위스퍼 키 근처에 있을 수 있습니다. 패드가 열린 상태인지 확인한 뒤 보컬을 밀어 넣어 패드가 보컬의 작은 구멍을 완전히 막도록 합니다. 11. 이제 리드를 끼우기 전에 연주 자세를 다시 한 번 확인해 보겠습니다. 등을 곧게 펴고 의자에 기대어 앉은 다음 보컬을 입 쪽으로 가져옵니다. 오! 제 보컬이 너무 낮군요. 의자 끈 끝을 잡아 조금 위로 올립니다. 이제 훨씬 좋습니다. 12. 이제 리드를 보컬 끝에 끼웁니다. 허리를 곧게 세우고 리드를 입 쪽으로 가져옵니다. 이제 연주할 준비가 되었습니다. 13. 첫 번째 레슨에서는 세 가지 운지만 배우겠습니다. 먼저 위스퍼 키를 누릅니다. (곧 카메라 가까이에서 다시 보여 드리겠습니다.) - E(미) — 첫 번째 손가락 - D(레) — 두 번째 손가락 - C(도) — 세 번째 손가락 14. 다시 한번 보겠습니다. 위스퍼 키를 누른 상태에서 - E(미) - D(레) - C(도) 15. 이제 여러분께 아주 간단한 곡인 "Hot Cross Buns" 를 가르쳐 드리겠습니다. E–D–C 순서로 연주합니다. 바순을 가지고 계시면 지금 함께 연주해 보시고, 그렇지 않다면 나중에 연습해 보십시오. 음을 시작하고 끝낼 때에는 혀를 리드에 댑니다. 혀가 리드에 닿으면 리드의 진동이 멈추게 됩니다. 16. 이 세 음으로 "Hot Cross Buns" 를 충분히 연습해 보십시오. 이제 바순을 분해하고 스와브(swab)를 사용하는 방법을 배우겠습니다. 03:52 9
첫 번째 바순 레슨, 파트 2 /ko/lessons/bdp26/#section-07-55-10 음악: 비발디 「라 노테(La Notte)」 07:55 10
루드위그 밀드의 세 개의 쉬운 곡 /ko/lessons/bdp312/ 루드위그 밀드의 세 개의 쉬운 곡 루드위그 밀드의 세 개의 쉬운 곡. 어린 바순 연주자들을 위한 연습 및 연주 방법. 루드위그 밀드의 세 개의 쉬운 곡 테리 율이 어린 바순 연주자들을 위해 작곡된 밀드의 이 곡들을 위한 연습 방법과 연주 방법에 대해 설명합니다. 연주: - Terry B. Ewell — 바순 - Elaine Ross — 피아노 바순 디지털 교수 시리즈 #312 번역: 최현지 www.2reed.net 한국어 대본은 (여기)에서 보실 수 있습니다. 0
루드위그 밀드의 세 개의 쉬운 곡 /ko/lessons/bdp312/#chapter-00-00 1. 안녕하세요. 저는 테리 율입니다. 루드위그 밀드가 어린 바순 연주자들을 위해 작곡한 아름다운 세 개의 소품을 소개하는 이 영상에 오신 것을 환영합니다. 밀드는 그의 Concert Studies, Opus 26으로 가장 잘 알려져 있으며, 이 작품은 상당히 높은 수준의 연주자들을 위한 곡입니다. 그러나 이번에 소개하는 Three Easy Pieces는 어린 바순 연주자들을 위해 작곡된 작품으로, 연주하기에는 도전적이지만 바순의 아름답고 서정적인 면을 잘 보여 주는 훌륭한 곡들입니다. 00:00 1
루드위그 밀드의 세 개의 쉬운 곡 /ko/lessons/bdp312/#chapter-00-36 2. 첫 번째 곡은 여러 가지 리듬 분할 때문에 연주하기가 다소 어려울 수 있습니다. 학생들은 먼저 메트로놈을 사용하여 다양한 리듬 분할을 충분히 연습하는 것이 좋습니다. 다음은 2분할과 3분할을 연습하는 데 도움이 되는 연습 방법입니다. 뮤직 비디오 시범 — 템포 = 60 00:36 2
루드위그 밀드의 세 개의 쉬운 곡 /ko/lessons/bdp312/#chapter-01-11 3. 느린 템포를 충분히 익힌 후에는 점차 빠른 템포에서도 연습해야 합니다. 뮤직 비디오 시범 — 템포 = 80, 100, 116 01:11 3
루드위그 밀드의 세 개의 쉬운 곡 /ko/lessons/bdp312/#chapter-01-45 4. 그 다음에는 곡에서 요구하는 것처럼 2분음표를 네 개와 여섯 개의 묶음으로 나누어 연습하십시오. 뮤직 비디오 시범 — 2분음표 = 58 01:45 4
루드위그 밀드의 세 개의 쉬운 곡 /ko/lessons/bdp312/#chapter-02-02 5. 최종적인 연주 목표는 자연스럽게 흐르면서도 매우 낭만적인 표현을 만드는 것입니다. 음악: 첫 번째 곡, 도입부 02:02 5
루드위그 밀드의 세 개의 쉬운 곡 /ko/lessons/bdp312/#chapter-02-51 6. Three Easy Pieces의 대부분의 음악적 제스처는 네 마디 프레이징으로 표현되어야 합니다. 각 프레이즈에는 크레센도와 디미누엔도가 포함되어 있습니다. 그러나 클라이맥스의 위치는 음악의 흐름에 따라 달라집니다. 저는 첫 번째 프레이즈를 네 번째 마디의 앞꾸밈음(appoggiatura) 으로 자연스럽게 이끌어 가는 것을 좋아합니다. 두 번째 프레이즈는 높은 음과 낮은 음의 윤곽을 따라 연주합니다. 02:51 6
루드위그 밀드의 세 개의 쉬운 곡 /ko/lessons/bdp312/#chapter-03-32 음악: 두 번째 곡, 도입부 03:32 7
루드위그 밀드의 세 개의 쉬운 곡 /ko/lessons/bdp312/#chapter-03-44 7. 이 세 곡의 음역은 F#4와 G4까지 올라갑니다. 8. 이 음들의 운지법이 필요하다면 2reed.net에 있는 제 운지표를 참고하시기 바랍니다. 03:44 8
루드위그 밀드의 세 개의 쉬운 곡 /ko/lessons/bdp312/#chapter-04-04 9. 이제 이러한 높은 음들이 사용되는 세 번째 곡의 마지막 부분을 연주해 보겠습니다. 음악: 세 번째 곡, 마지막 04:04 9
고든 제이콥의 바순과 피아노를 위한 네 개의 스케치 /ko/lessons/bdp313/ 고든 제이콥의 바순과 피아노를 위한 네 개의 스케치 고든 제이콥의 바순과 피아노를 위한 네 개의 스케치. 실내악 연주, 스타일, 그리고 운지법. 고든 제이콥의 바순과 피아노를 위한 네 개의 스케치 테리 율이 실내악 연주, 스타일, 그리고 운지법을 위한 연습과 연주 방법에 대해 설명합니다. 연주 - Terry B. Ewell — 바순 - Elaine Ross — 피아노 바순 디지털 교수 시리즈 #313 번역: 최현지 2reed.net 한국어 대본은 (여기)에서 보실 수 있습니다. 0
고든 제이콥의 바순과 피아노를 위한 네 개의 스케치 /ko/lessons/bdp313/#chapter-00-00 소개 00:00 1
고든 제이콥의 바순과 피아노를 위한 네 개의 스케치 /ko/lessons/bdp313/#chapter-00-38 첫 번째 곡 ― A Peaceful Piece: 끝맺기와 앙상블 제스처 00:38 2
고든 제이콥의 바순과 피아노를 위한 네 개의 스케치 /ko/lessons/bdp313/#chapter-01-40 첫 번째 곡 연주 예 01:40 3
고든 제이콥의 바순과 피아노를 위한 네 개의 스케치 /ko/lessons/bdp313/#chapter-02-21 반주자와의 의사소통과 시선 처리 02:21 4
고든 제이콥의 바순과 피아노를 위한 네 개의 스케치 /ko/lessons/bdp313/#chapter-03-08 두 번째 곡 ― A Little Waltz: 앙상블의 대화 03:08 5
고든 제이콥의 바순과 피아노를 위한 네 개의 스케치 /ko/lessons/bdp313/#chapter-03-46 두 번째 곡 연주 예 03:46 6
고든 제이콥의 바순과 피아노를 위한 네 개의 스케치 /ko/lessons/bdp313/#chapter-03-58 세 번째와 네 번째 곡의 성격 표현 03:58 7
고든 제이콥의 바순과 피아노를 위한 네 개의 스케치 /ko/lessons/bdp313/#chapter-04-31 세 번째 곡 연주 예 04:31 8
고든 제이콥의 바순과 피아노를 위한 네 개의 스케치 /ko/lessons/bdp313/#chapter-04-59 Polka와 아티큘레이션 04:59 9
고든 제이콥의 바순과 피아노를 위한 네 개의 스케치 /ko/lessons/bdp313/#chapter-05-24 네 번째 곡 연주 예 05:24 10
고든 제이콥의 바순과 피아노를 위한 네 개의 스케치 /ko/lessons/bdp313/#chapter-05-35 운지법 제안 05:35 11
고든 제이콥의 바순과 피아노를 위한 네 개의 스케치 /ko/lessons/bdp313/#chapter-06-25 반주 연습 자료 06:25 12
고든 제이콥의 바순과 피아노를 위한 네 개의 스케치 /ko/lessons/bdp313/#chapter-07-10 등급별 바순 곡과 Grade 3 독주곡 07:10 13
고든 제이콥의 바순과 피아노를 위한 네 개의 스케치 /ko/lessons/bdp313/#chapter-08-21 마무리 08:21 14
율리우스 바이젠본의 두 개의 곡: Arioso와 Humoresque /ko/lessons/bdp315/ 율리우스 바이젠본의 두 개의 곡: Arioso와 Humoresque 율리우스 바이젠본의 두 개의 곡. 낭만주의 음악의 연주법과 어린 바순 연주자를 위한 연습 및 연주 방법. 율리우스 바이젠본의 두 개의 곡: Arioso와 Humoresque 테리 율이 어린 바순 연주자들을 위해 작곡된 바이젠본의 Arioso와 Humoresque를 효과적으로 연습하고 연주하는 방법을 설명합니다. 연주 - Terry B. Ewell — 바순 - Elaine Ross — 피아노 바순 디지털 교수 시리즈 #315 번역: 최현지 2reed.net 한국어 대본은 (여기)에서 보실 수 있습니다. 0
율리우스 바이젠본의 두 개의 곡: Arioso와 Humoresque /ko/lessons/bdp315/#chapter-00-00 음악: 바이젠본의 유모레스크 1. 율리우스 바이젠본이 쓴 두 개의 소품곡에 대한 영상을 찾아 주신 여러분을 환영합니다. 제 이름은 테리 율입니다. 00:00 1
율리우스 바이젠본의 두 개의 곡: Arioso와 Humoresque /ko/lessons/bdp315/#chapter-00-16 2. 곡을 연주할 때에는 그 곡이 어느 시대에 쓰여진 곡인지를 이해하는 것이 아주 중요합니다. 그것은 연주자가 곡을 해석하는 데 많은 영향을 끼치기 때문입니다. 예를 들자면 바로크 시대의 곡은 낭만주의 시대의 곡과는 매우 다른 방식으로 연주됩니다. 3. 제가 소개해 드리는 이 두 곡은 낭만주의 시대에 쓰여진 작품으로, 이 시대의 음악을 어떻게 연주해야 하는지를 배울 수 있는 훌륭한 예입니다. 낭만주의 시대의 음악은 감정을 자유롭고 풍부하게 표현하는 것이 특징이며, 이러한 감정은 셈여림(다이내믹), 템포의 변화, 그리고 프레이징을 통해 표현됩니다. 00:16 2
율리우스 바이젠본의 두 개의 곡: Arioso와 Humoresque /ko/lessons/bdp315/#chapter-00-59 4. 이제 이러한 낭만주의적 특징이 Arioso에서 어떻게 나타나는지 살펴보겠습니다. 바이젠본이 "Arioso" 라는 제목을 붙인 것은 오페라의 노래를 연상시키기 위한 것입니다. 따라서 매우 서정적으로 연주해야 하며, 바순을 자신의 목소리라고 상상하며 연주해도 좋습니다. 멜로디는 항상 클라이맥스나 중요한 도착 지점을 향해 프레이징해야 합니다. 00:59 3
율리우스 바이젠본의 두 개의 곡: Arioso와 Humoresque /ko/lessons/bdp315/#chapter-01-49 5. 음악적 프레이즈는 일반적으로 크레센도를 통해 음악적 목표점에 도달한 뒤, 디크레센도로 멀어지는 형태를 보입니다. 각 프레이즈나 음악적 제스처의 클라이맥스를 찾는 것이 항상 쉬운 것은 아니지만, 자주 나타나는 몇 가지 경향을 기억하면 도움이 됩니다. 6. 프레이즈나 음악적 제스처에서 클라이맥스는 보통 다음과 같은 위치에 나타납니다. 1) 프레이즈의 중간이나 후반부(특히 후반부) 2) 강박, 보통 마디의 첫 박 3) 앞꾸밈음(Appoggiatura) 01:49 4
율리우스 바이젠본의 두 개의 곡: Arioso와 Humoresque /ko/lessons/bdp315/#chapter-02-16 7. 또한 짧은 음은 긴 음을 향해 진행하는 경향이 있습니다. 어린아이가 부모에게 이끌리듯이 생각해 보십시오. 음들은 고립된 존재가 아니라 하나의 가족처럼 서로 연결되어 있습니다. 02:16 5
율리우스 바이젠본의 두 개의 곡: Arioso와 Humoresque /ko/lessons/bdp315/#chapter-02-33 8. 버나드 가필드(Bernard Garfield)가 편집한 악보에는 서로 상반되는 프레이징 표시가 있습니다. 처음 두 프레이즈에 표시된 셈여림은 뒤의 두 프레이즈와 일치하지 않습니다. 이러한 이유로 저는 크레센도를 다른 위치에서 사용하는 것을 더 선호합니다. 음악 02:33 6
율리우스 바이젠본의 두 개의 곡: Arioso와 Humoresque /ko/lessons/bdp315/#chapter-03-28 9. 이것은 제가 선호하는 크레센도의 위치입니다. 보시는 것처럼 세 번째와 네 번째 프레이즈의 크레센도와 서로 평행하게 진행됩니다. 이 크레센도들은 모두 마디의 첫 박에서 클라이맥스를 이루며, 이곳 역시 첫 박에 클라이맥스가 있습니다. 이 프레이징은 앞꾸밈음(Appoggiatura)도 잘 보여 줍니다. 여기가 두 번째 제스처의 앞꾸밈음이고, 여기가 네 번째 제스처의 앞꾸밈음입니다. 03:28 7
율리우스 바이젠본의 두 개의 곡: Arioso와 Humoresque /ko/lessons/bdp315/#chapter-04-02 10. 앞꾸밈음(Appoggiatura)은 마디의 첫 박에 나타나는 비화성음으로, 대부분 아래 방향으로 해결되는 불협화음입니다. 이것은 우리가 흔히 공통관행시대(Common Practice) 음악이라고 부르는 음악에서 매우 중요한 음악적 제스처입니다. 즉, 바로크 시대부터 시작하여 그 이후의 음악, 그리고 사실상 20세기 초까지의 음악에서도 매우 중요한 표현 기법입니다. 프레이징과 음악성을 이해하려면 반드시 익혀야 하는 가장 표현력이 풍부한 기법 가운데 하나입니다. 04:02 8
율리우스 바이젠본의 두 개의 곡: Arioso와 Humoresque /ko/lessons/bdp315/#chapter-04-42 11. 여기에서도 작은 음들이 큰 음을 향해 진행하는 예를 볼 수 있습니다. 이 역시 음악에서 매우 자주 나타나는 경향이며, 음악성은 이러한 흐름을 통해 자연스럽게 표현됩니다. 04:42 9
율리우스 바이젠본의 두 개의 곡: Arioso와 Humoresque /ko/lessons/bdp315/#chapter-05-00 12. 이제 다시 악보를 보면서 음악을 들어보겠습니다. 음악 — Arioso 도입부 05:00 10
율리우스 바이젠본의 두 개의 곡: Arioso와 Humoresque /ko/lessons/bdp315/#chapter-05-33 13. Humoresque는 Arioso만큼 진지한 분위기의 곡은 아니지만, 역시 매우 낭만주의적인 작품입니다. 이 곡은 유연한 템포가 특징이며, 프레이즈와 음악적 제스처를 표현하기 위해 적절한 루바토(rubato) 를 사용하는 것도 좋습니다. 05:33 11
율리우스 바이젠본의 두 개의 곡: Arioso와 Humoresque /ko/lessons/bdp315/#chapter-06-19 14. 예를 들어 첫 두 마디에서는 템포를 약간 앞으로 밀어 주고, 세 번째 마디에서는 긴장을 풀어 주듯이 템포를 조금 여유 있게 만드는 것이 적절합니다. Commodo는 "움직임"이라는 뜻이므로, 이 곡은 지나치게 고정된 템포로 연주해서는 안 됩니다. 음악 — Humoresque 도입부 06:19 12
율리우스 바이젠본의 두 개의 곡: Arioso와 Humoresque /ko/lessons/bdp315/#chapter-06-26 15. 17마디에서 시작되는 Animato 부분은 템포 변화가 특징입니다. Animato는 "생기 있게"라는 뜻으로, 더욱 활기차고 조금 더 빠른 템포를 의미합니다. 이후 Ritenuto에서는 템포를 다시 처음의 속도로 늦추게 됩니다. Ritenuto는 "점점 느리게"를 의미하며, Tempo I는 물론 Humoresque의 처음 템포로 돌아가라는 뜻입니다. 06:26 13
율리우스 바이젠본의 두 개의 곡: Arioso와 Humoresque /ko/lessons/bdp315/#chapter-07-01 음악 — Humoresque 후반부 07:01 14
율리우스 바이젠본의 두 개의 곡: Arioso와 Humoresque /ko/lessons/bdp315/#chapter-07-32 16. 이러한 모든 템포 변화에서는 반주자와의 의사소통이 매우 중요합니다. 연주하는 동안 서로의 몸짓과 제스처를 통해 자연스럽게 소통할 수 있도록 함께 연습하시기 바랍니다. 07:32 15
율리우스 바이젠본의 두 개의 곡: Arioso와 Humoresque /ko/lessons/bdp315/#chapter-07-48 17. 오늘 소개해 드린 두 곡을 즐겁게 공부하시기 바랍니다. 이제 자신감을 가지고 이 작품들을 연주하실 수 있기를 바랍니다. 감사합니다. 음악: 바이젠본의 유모레스크 07:48 16
오레피치의 멜로디 스터디 소개 /ko/lessons/bdp325/ 오레피치의 멜로디 스터디 소개 알베르토 오레피치의 멜로디 스터디 소개. 테리 율이 이 연습곡집의 교육적 가치와 자신이 가장 좋아하는 작품집 중 하나인 이유를 설명합니다. 번역: 최현지. 바순 디지털 교수 #325. 오레피치의 멜로디 스터디라는 곡의 소개. 테리 율이 이 곡이 주는 교육의 효과성과 이 곡이 왜 자신이 가장 좋아하는 곡들 중 하나인지 설명한 영상. 0
오레피치의 멜로디 스터디 소개 /ko/lessons/bdp325/#chapter-00-00 음악: 오레피치의 멜로디 스터디 #4, 연주: 테리 율 1. 안녕하세요. 테리 율입니다. 알베르토 오레피치의 멜로디 스터디를 소개하는 새 영상 시리즈로 여러분을 찾아 뵙게 되서 너무 기쁩니다. 이 컬렉션은 제가 가르치기 가장 좋아하는 곡들 중 하나입니다. 00:00 1
오레피치의 멜로디 스터디 소개 /ko/lessons/bdp325/#chapter-00-33 2. 제가 바이즌본의 곡들을 온라인으로 가르친 것을 아시는 분도 계실 것입니다. 저는 50개의 바이즌본 스터디에 대해 소개한 55개의 영상을 제작하였습니다. 그 곡들은 매우 훌륭한 컬렉션이고 이렇게 좋은 곡들을 우리에게 남겨 준 바이즌본에게 매우 감사하고 있습니다. 그 컬렉션은 바순 연주자가 고등학교와 대학 진입 시기에 연주자로서의 스킬을 향상하는데 아주 큰 도움을 주는 곡들입니다. 3. 그 곡들은 연주자가 테크닉적인 부분과 기술적인 부분을 연마할 수 있는 아주 훌륭한 컬렉션입니다. 그 50개의 곡의 공부를 마치고 나면 바순 연주 테크닉에 있어서 좋은 기본기를 갖출 수 있게 됩니다. 00:33 2
오레피치의 멜로디 스터디 소개 /ko/lessons/bdp325/#chapter-01-13 4. 그런데, 오레피치 스터디는 바이즌본의 스터디 곡들과 아주 많이 다릅니다. 오레피치의 20개의 곡들은 모두 서정적인 곡들입니다. 이 곡들은 테크닉과 기술적인 면보다 음악적인 부분에 더욱 집중하고 있습니다. 이런 이유 때문에 이 곡들은 바이즌본의 스터디 곡들보다 연주자의 음악적 성숙도가 더 필요합니다. 5. 바이즌본 컬렉션 중 마지막의 곡들은 높은 음역대로 인하여 상당한 연주 테크닉이 필요한 곡들입니다. 하지만 오레피치의 곡들은 완전히 다른 느낌이며 매우 서정적입니다. 저는 40년 넘게 학생들을 가르치며 이 곡들을 수없이 많이 들었지만 한번도 학생들이 이 곡들을 연주할 때 지겹다거나 지루하다고 느낀 적이 없습니다. 이 곡들은 굉장히 신선하고 새롭고 그래서 저는 이 곡들을 아주 좋아합니다. 01:13 3
오레피치의 멜로디 스터디 소개 /ko/lessons/bdp325/#chapter-02-10 6. 제가 이 곡들을 좋아하는 이유 중 하나는 이것입니다. 저희 대학에서 저와 공부를 하러 오는 많은 학생들은 아직 테너 음자리표를 잘 읽지 못하는 경우가 많이 있습니다. 하지만 오레피치의 20개의 스터디를 공부하고 나면 테너 음자리표를 능숙하게 읽을 수 있게 됩니다. 이 곡들은 테너 음자리표의 낮은 F와 같이 다른 곡들에서 잘 사용되지 않는 음들을 사용하고 있습니다. 그렇기 때문에 테너 음자리표를 습득하는 데 큰 도움을 줍니다. 7. 또한 이 곡들은 멜로디를 표현하는 연습에 큰 도움을 줍니다. 프레이즈를 연결한다거나 멜로디의 음악적 호흡을 이어가고, 루바토를 표현하는 등, 많은 표현법을 연마할 수 있게 해 줍니다. 물론 곡들 자체가 너무 아름답다는 것도 빼놓지 말아야 할 장점입니다. 02:10 4
오레피치의 멜로디 스터디 소개 /ko/lessons/bdp325/#chapter-03-05 8. 우리가 살아가는 현대사회는 아름다움을 점점 발견하기 어렵다고 느껴질 때가 있습니다. 우리는 종종 현실의 민낯이나 한계, 또는 혼란스러움들을 일상에서 만나게 됩니다. 저는 여러분들의 일상에 아름다움을 전해 드리고 싶었습니다. 저는 이 곡들과 저의 이야기들이 여러분들의 바순 연주와 여러분의 마음에 힘이 되고 기운을 북돋아 드리는 일을 할 수 있기를 바랍니다. 여러분들이 이 곡들을 공부하고 이 곡들에 대한 제 영상을 보실 때 마음이 평안해 지고 행복해지면 좋겠습니다. 03:05 5
오레피치의 멜로디 스터디 소개 /ko/lessons/bdp325/#chapter-03-46 9. 오레피치에 대해 알려진 것은 많이 없습니다. 그는 1868년도에 태어났고 1920년에 세상을 떠났습니다. 이 스터디 컬렉션은 1925년에 출판되었고, 이는 그가 세상을 떠난 지 5년 후였습니다. 그는 오페라 바순 연주자로 활동하였고 이후에는 이탈리아의 튜린 지역에서 교수로 재직했던 것으로 알려지고 있습니다. 10. 오레피치는 유진 잔코트의 제자였을 가능성이 있습니다. 그에 대한 정확한 정보는 많이 남아있지 않지만 우리는 그가 남긴 곡들로 그의 바순에 대한 음악적 이해와 오페라에 대한 그의 애정을 엿볼 수 있습니다. 그의 곡들은 이탈리안 오페라적인 느낌을 아주 신선하고 독특하게 음악적으로 표현하였고 연주자에게 음악을 표현하는 데 있어 성장할 수 있는 좋은 기회를 제공합니다. 11. 이런 이유로 저는 이 곡들을 상당히 좋아하고 제 자신도 이 곡들을 다시 공부하고 연주하며, 또한 이 곡들을 세상에 소개할 수 있는 기회가 생겨서 매우 기쁩니다. 이 곡들은 사실 자주 연주되어지지 않고 있습니다. 어떻게 보면 조금은 외면되어졌다고 말할 수 있는 곡들이지만 제 영상들을 통해 이 곡들에 대한 관심이 살아나고 이 곡들이 많은 연주자들에 의해 활발히 연주되어지는 계기가 되었으면 좋겠습니다. 03:46 6
오레피치의 멜로디 스터디 소개 /ko/lessons/bdp325/#chapter-05-07 12. 저는 이 영상들을 2019년도에 제작하기 시작했고 2020년과 그 후에도 계속 제작할 계획입니다. 2021년도에는 좋은 소식이 하나 있는데 그것은 오레피치의 멜로디 스터디가 자유 이용 저작물(퍼블릭 도메인)로 분류되기 시작하는 것입니다. 이 해에 저는 제가 편집한 오레피치의 악보를 무료로 제공할 계획입니다. 이 자료는 저의 웹사이트인 2reed.net (https://2reed.net)에서 찾으실 수 있습니다. 음악: 오레피치의 멜로디 스터디 #4, 연주: 테리 율 05:07 7
오레피치의 멜로디 스터디 제1번 /ko/lessons/bdp326/ 오레피치의 멜로디 스터디 제1번 오레피치의 멜로디 스터디 제1번. 테리 율이 비브라토와 음악적 표현, 아름다움에 관해 설명하고 연주를 들려줍니다. 번역: 최현지. 바순 디지털 교수 시리즈 #326. www.2reed.net. 오레피치의 멜로디 스터디 영상 #1. 테리 율이 비브라토와 곡의 표현에 대해 설명하고 곡의 연주로 마무리하는 영상. 0
오레피치의 멜로디 스터디 제1번 /ko/lessons/bdp326/#chapter-00-00 [음악: 오레피치의 멜로디 스터디 #5, 연주: 테리 율] 00:00 1
오레피치의 멜로디 스터디 제1번 /ko/lessons/bdp326/#chapter-00-13 1. 오레피치 스터디 1번에서 오레피치 씨는 거의 오페라적인 보컬 선율로 곡의 처음을 시작합니다. 이 곡은 여러분이 비브라토를 공부해야 하는 곡으로써 비브라토를 어떻게 다르게 표현할지, 그리고 그 비브라토를 이용해 어떻게 음악적 선율을 나타내고 부각시킬 수 있을지 공부할 수 있는 곡입니다. 저의 예전 영상 중에 “음악의 움직임”이라는 영상이 있는데, 제 생각에는 100번째 영상인 걸로 기억합니다. 그 영상에서 제가 이 곡의 처음 부분을 연주하며 어떻게 음악의 움직임을 만들 수 있는지 설명하였습니다. 2. 그렇기 때문에 지금 똑같은 내용을 다시 설명하지는 않지만 여러분께서 그 영상을 다시 찾아가 보시면 좋을 것 같습니다. 제가 그 영상의 링크를 남겨 놓을 수 있습니다. 저는 여러분이 끌고 있는 음 뿐만 아니라 움직이는 음 모두에 어떻게 비브라토를 사용할 지 생각해 보셨으면 좋겠습니다. 곡의 처음 시작에 사용된 끌고 있는 음을 살펴 보겠습니다. [음악] 3. 제가 비브라토의 속도를 다르게 하고 있는 것을 들으셨을 거라고 생각합니다. 이것은 제가 음악을 서정적으로 표현하는 방법 중 하나입니다. 00:13 2
오레피치의 멜로디 스터디 제1번 /ko/lessons/bdp326/#chapter-01-26 4. 두번째 라인에서는 8분 음표들이 사용되었습니다. 제가 생각하는 바순이라는 악기의 흥미로운 점 중 하나는 바순 연주 중 비브라토를 할 때 비브라토의 생성이 연주자의 손가락으로 이루어지지 않는다는 점입니다. 현악기의 비브라토는 손가락의 움직임으로 만들어지기 때문에 현악기 연주자들은 손으로 비브라토를 합니다. 디, 디, 디…. 이런 식으로 말입니다. 5. 관악기 연주자들은 그럴 필요가 없습니다. 우리는 비브라토를 사용해 새로운 강도를 표현할 수 있습니다. 예를 들면 곡의 두번째 라인에서 8분 음표들이 사용된 부분처럼 말입니다. [음악: 비브라토를 사용하지 않음] 6. 여기 음들을 보시면 이 부분에서 저는 비브라토를 사용하지 않았습니다. 하지만 비브라토를 사용하면 음악에서 조금 더 앞으로 나아가는, 조금 더 세지는 강도를 표현할 수 있습니다. [음악: 비브라토 사용] 7. 이렇게 여러분도 비브라토를 이용해 실험해 보시기 바랍니다. 여러분이 비브라토를 자유롭게 조절할 수 있을 때 더 다양한 음악적 표현들을 구사할 수 있을 것입니다. 01:26 3
오레피치의 멜로디 스터디 제1번 /ko/lessons/bdp326/#chapter-02-44 8. 저는 기독교인으로써 사람이 하는 모든 것이 영적인 것과 연결되어 있다고 믿습니다. 우리의 영은 우리의 몸에 속해 있습니다. 따라서 우리가 결정하는 모든 것과 우리의 행동 또한 영적인 부분과 깊게 관련되어 있다고 생각합니다. 우리의 생각과 마음이 힘을 잃거나 답답할 때 우리는 바순을 잘 연주하기 어렵습니다. 저는 여러분의 생각과 마음이 힘을 얻기를 원합니다. 저는 여러분이 여러분의 생각과 마음을 하늘의 것들에 두고 이 땅에 두지 않기를 원합니다. 여러분의 영이 새로워지고 새 힘을 얻기를 바랍니다. 그래서 제가 성경구절 중 가장 좋아하는 구절을 여러분과 나누는 것으로 이 영상을 마무리 하려고 합니다. 전도서 3장 11절 말씀입니다. 9. 하나님이 모든 것을 지으시되 때를 따라 아름답게 하셨고 또 사람들에게는 영원을 사모하는 마음을 주셨느니라. 그러나 하나님이 하시는 일의 시종을 사람으로 또 측량할 수 없게 하셨도다. 10. 하나님의 이름으로 여러분을 축복합니다. 02:44 4
오레피치의 멜로디 스터디 제1번 /ko/lessons/bdp326/#chapter-04-09 [음악: 오레피치 멜로디 스터디 #1] [음악: 오레피치 멜로디 스터디 #5, 연주: 테리 율] 04:09 5
오레피치의 멜로디 스터디 #2 /ko/lessons/bdp327/ 오레피치의 멜로디 스터디 #2 오레피치의 멜로디 스터디 #2. 주의 깊게 듣기, 드론을 이용한 음정 연습, 호흡을 이용한 프레이징, 턱을 내려 빠르게 숨 쉬는 방법을 설명합니다. 연주: 테리 율. 번역: 최현지. 바순 디지털 교수 #327. 오레피치의 멜로디 스터디 #2. 테리 율이 주의 깊게 듣기의 중요성, 드론을 이용한 연습, 호흡을 이용한 프레이징(playing on the wind), 턱을 내려 빠르게 호흡하는 방법 등을 설명합니다. 테리 율의 연주로 마무리합니다. 0
오레피치의 멜로디 스터디 #2 /ko/lessons/bdp327/#chapter-00-00 [음악: 오레피치의 멜로디 스터디 #5, 연주: 테리 율] 1. 안녕하세요. 테리 율입니다. 오레피치의 두번째 스터디에 관한 영상을 찾아 주셔서 감사합니다. 00:00 1
오레피치의 멜로디 스터디 #2 /ko/lessons/bdp327/#chapter-00-21 2. 저는 평소에 영적인 부분에 대해 많이 생각하고 그 영적인 부분이 저의 삶이나, 제가 다른 사람들을 대하는 태도, 또는 제가 바순을 어떻게 연주하는지 등에 끼치는 영향들에 생각해 보곤 합니다. 이 곡과 관련해서는 예수님이 보나 보지 못하고 들으나 듣지 못하는 사람들에 대해서 말씀하신 것에 대해 생각해 보았습니다. 예수님은 영적인 부분에 대해 말씀하신 것이었습니다. 사람들은 예수님이 어떤 말씀을 하실 때 그 말씀에 대한 영적인 적용을 하지 못하였습니다. 3. 우리도 바순을 연주할 때 그럴 때가 있습니다. 자신이 내는 소리를 듣고는 있지만 때로는 정말 주의 깊고 귀 기울여 세밀하게 듣지 못 할 때가 많이 있습니다. 저 또한 그럴 때가 많음을 돌아보게 됩니다. 어떤 경우에는 연주 시 다른 부분에 신경 쓰다 보면 음정을 놓칠 때가 있습니다. 또 다른 경우에는 어택 (음의 도입)이 깨끗하지 못했던 걸 못 듣고 지나갈 때도 있습니다. 하지만 그럴 때에도 저는 분명히 집중해서 연주하고 있었습니다. 이것은 그만큼 자신의 연주를 정말 주의 깊게 듣고 객관적으로 파악하는 것이 얼마나 힘든지 말해 줍니다. 4. 한번 예를 들어 보겠습니다. 지금 저를 한번 바라봐 주시겠습니까? 정말 찬찬히 한번 살펴봐 주시길 바랍니다. 여러분은 제가 빈센 반 고흐를 추모하는 넥타이를 매고 있는 것을 보셨나요? 거기에 눈길이 가신 분이 계신가요? 저를 보고 계셨지만 그 부분은 놓치신 분도 있으셨을 거라고 생각합니다. 제가 말씀드리고 싶은 요점 중 하나가 바로 이것입니다. 00:21 2
오레피치의 멜로디 스터디 #2 /ko/lessons/bdp327/#chapter-02-02 5. 오레피치 스터디 2번은 바순의 여러가지 기능에 대해 정말 주의 깊게 생각해 볼 기회를 줄 입문곡으로 사용하기 좋은 작품입니다. 자 그럼, 곡의 첫 부분을 E 드론과 함께 연주해 보겠습니다. [음악] 6. 곡의 끝 부분도 E 드론을 틀어 놓고 연습하기 효과적인 부분입니다. 제 경험으로는 낮은 E 음은 새끼 손가락을 사용하는 것이 음정에 도움이 됩니다. [음악] 7. 드론을 사용하여 연습할 때에 저는 아르페지오 중 각각 음들의 높낮이 배치를 기준이 되는 음과 비교하여 세밀하게 듣고 조정합니다. 이것은 연마해야 할 아주 중요한 기술로써 다른 연주자들과 연주할 때 꼭 필요하며 음정이 맞는지 틀렸는지를 잘 판단할 수 있게 해 줍니다. 8. 이 곡의 F#은 오른손의 새끼 손가락으로 연주하는 것이 가장 좋습니다. 이 F#은 오른손의 엄지 손가락의 F# 보다 음정이 낮습니다. 02:02 3
오레피치의 멜로디 스터디 #2 /ko/lessons/bdp327/#chapter-03-43 9. 다음은 소리의 퀄리티와 빠른 부분에서의 핑거링을 잘 들어보시기 바랍니다. [음악] 10. 이 옥타브 뛰기 부분은 너무 느려질 때가 있습니다. 이 부분은 원래 템포대로 가야 합니다. [음악] 11. 메트로놈을 120에 맞췄습니다. [음악] 12. 한 음 한 음이 깨끗하고 또렷하게 들리고 잘 연주 되도록 신경쓰며 연주해야 합니다. 다음 부분은 핑거링이 꽤 복잡합니다. 저는 한 음 한 음이 잘 연주되고 음정이 정확하게 소리가 나도록 집중합니다. 한 음도 놓치지 않도록 주의합니다. 연주의 빠르기와 상관 없이 제가 현재 연주하고 있는 모든 음을 세밀하고 주의 깊게 듣습니다. 이런 연습 방법은 정확한 연주와 좋은 소리를 위해 꼭 필요한 것입니다. [음악] 13. 저는 높은 A 음에서 F#, E, 그리고 D#으로 내려오는 부분이 특히 연주하기가 어려운 구간이라고 생각합니다. 핑거링이 왔다 갔다 복잡하고 음정도 정확하게 연주하기가 까다롭습니다. [음악] 03:43 4
오레피치의 멜로디 스터디 #2 /ko/lessons/bdp327/#chapter-05-23 14. 다음은 프레이징에 대해 생각해 보겠습니다. 스타카토 음들을 연주할 때에도 프레이징을 계속 살릴 수 있습니다. 이 연주 방법은 “한 숨으로 연주”하는 방법입니다. [음악] 15. 들으신대로 저는 호흡을 이용하여 프레이즈의 윤곽을 만들고 있습니다. 앙부슈어나 혀는 프레이즈를 만드는 데 전혀 사용하지 않고 아티큐레이션을 표현하는 데만 사용합니다. 저는 정말 호흡만으로 프레이즈의 윤곽을 이렇게 만들고 있습니다: [음악] 05:23 5
오레피치의 멜로디 스터디 #2 /ko/lessons/bdp327/#chapter-06-02 16. 곡의 끝 부분의 스타카토 8분 음표들은 중간에 몰래 몰래 숨을 쉬어 가며 연주해야 하기 때문에 연주하기 쉽지 않습니다. 가장 빠르게 숨을 쉴 수 있는 방법은 머리를 움직이지 않고 턱을 떨어뜨려 주는 것입니다. 저는 그래서 곡의 끝 부분의 연주를 이 방법을 사용하여 연주합니다. [음악] 06:02 6
오레피치의 멜로디 스터디 #2 /ko/lessons/bdp327/#chapter-06-39 17. 결론은 우리는 보고 있으면서도 정확하게 이해하지 못하고 듣고 있으면서도 세밀하게 판단하지 못 할 때가 많다는 것입니다. 이 곡을 가지고 차분히 공부해서 주의 깊게 보고 듣는 연습을 하시면 좋겠습니다. 여러분의 연주의 부족한 점을 정확히 파악하고 그 부분들을 해결해 나가면 바순연주자로서 더욱 빠른 성장을 하실 수 있을 거라고 생각합니다. 시청해 주셔서 감사하고 다음 영상에서 또 찾아 뵙겠습니다. 06:39 7
오레피치의 멜로디 스터디 #2 /ko/lessons/bdp327/#chapter-07-39 [연주: 오레피치의 멜로디 스터디 #2] [음악: 오레피치의 멜로디 스터디 #5, 연주: 테리 율] 07:39 8
오레피치의 멜로디 스터디 #3 /ko/lessons/bdp328/ 오레피치의 멜로디 스터디 #3 오레피치의 멜로디 스터디 #3. 투박한 음들이 아름다운 선율로 변화하는 과정을 설명하고 테리 율이 제3번 연습곡을 연주합니다. 번역: 최현지. 바순 디지털 교수 #328. www.2reed.net. 오레피치의 멜로디 스터디 #3. 오레피치가 투박한 음들을 가지고 어떻게 아름다운 멜로디를 만들었는지 설명하는 영상입니다. 0
오레피치의 멜로디 스터디 #3 /ko/lessons/bdp328/#chapter-00-00 [음악: 오레피치의 멜로디 스터디 #5, 연주: 테리 율] 1. 오레피치의 스터디 3번은 제가 컬렉션 중 가장 좋아하는 곡입니다. 이 곡은 워낙 특이해서인지 이 곡을 연주할 때마다 지겨울 틈 없이 늘 새롭게 느껴집니다. 00:00 1
오레피치의 멜로디 스터디 #3 /ko/lessons/bdp328/#chapter-00-25 2. 하지만 이 곡을 처음 연주하는 학생들의 경우 이 곡이 마치 화성에서 온 곡처럼 낯설게 느껴질 수 있습니다. 저는 이 점을 충분히 이해합니다. 우선 첫 번째 마디를 살펴보겠습니다. [음악] 00:25 2
오레피치의 멜로디 스터디 #3 /ko/lessons/bdp328/#chapter-00-51 3. 이 음들은 딱히 아름다운 음들의 조합은 아닙니다. 멜로디는 뚝뚝 끊어지고 음들은 올라갔다 내려갔다 합니다. 곡의 음들은 이 곡의 조표인 시 플랫 장조 안에 머물지도 않습니다. 솔직히 말해서 이 음들이 어느 조표 안에서 움직이는지조차도 확실하게 말하기 어렵습니다. 처음은 레에서 시작해서 끝은 미로 끝납니다. 그래서 헷갈리기도 하고 음들이 투박하게 들립니다. 00:51 3
오레피치의 멜로디 스터디 #3 /ko/lessons/bdp328/#chapter-01-28 4. 오레피치의 천재성은 그가 어떻게 이 투박한 음들의 조합으로 곡이 끝나갈 때쯤에는 이 곡이 정말 아름다운 곡이라고 느끼게 만들 수 있었는지에 있습니다. 제가 가장 좋아하는 성경구절 중 하나인 전도서 3장 11절의 “하나님이 모든 것을 지으시되 때를 따라 아름답게 하셨고”라는 말씀이 생각납니다. 여기서 오레피치는 투박한 음들을 써서 마지막에는 아름다운 결과물을 만들어 냅니다. 01:28 4
오레피치의 멜로디 스터디 #3 /ko/lessons/bdp328/#chapter-01-58 5. 이 멜로디는 화음의 해결을 늦추는 방식으로 진행되고 오페라적인 움직임과 방식들을 포함하고 있습니다. 이 모든 요소들은 피아노와 피아니시모라는 두 개의 셈여림표로 표현되어야 합니다. 이 곡에는 피아노 셈여림표의 범위 안에서 몇 개의 크레센도가 있지만 포르테로 커지지는 않습니다. 이 모든 표현들은 주어진 셈여림표의 범위 안에서 연주자의 음색을 이용하여 정교하게 표현됩니다. 그래서 리드의 끝을 잘 다듬고 리드를 잘 만드는 것은 굉장히 중요합니다. 이 모든 것들이 아름답고 여러분의 영혼을 채우고, 여러분에게 만족을 주는 것들의 일부분이 되어야 하는 것입니다. 01:58 5
오레피치의 멜로디 스터디 #3 /ko/lessons/bdp328/#chapter-03-42 [오레피치의 멜로디 스터디 #3 연주] [음악: 오레피치의 멜로디 스터디 #5, 연주: 테리 율] 03:42 6
오레피치의 멜로디 스터디 #4 /ko/lessons/bdp329/ 오레피치의 멜로디 스터디 #4 오레피치의 멜로디 스터디 #4. 긴 프레이즈를 연주하기 위한 지구력과 연습 방법. 테리 율의 스터디 4번 연주. 번역: 최현지. 바순 디지털 교수 시리즈 #329. www.2reed.net. 오레피치의 멜로디 스터디 #4. 긴 프레이즈를 연주하기 위해 필요한 지구력과 방법에 대해 강의한 내용. 0
오레피치의 멜로디 스터디 #4 /ko/lessons/bdp329/#chapter-00-00 [음악: 오레피치의 멜로디 스터디 #5, 연주: 테리 율] 1. 안녕하세요. 테리 율입니다. 오레피치의 멜로디 스터디 4번의 연습 방법에 대한 영상을 찾아 주신 여러분을 환영합니다. 2. 이 곡은 히브리서 12장 1절 말씀인 “인내로써 우리 앞에 당한 경주를 하며”라는 성경구절을 생각나게 합니다. 00:00 1
오레피치의 멜로디 스터디 #4 /ko/lessons/bdp329/#chapter-00-35 3. 이 스터디는 같은 템포로 쓰여진 각기 다른 두 부분으로 구성되어 있습니다. A 부분에서는 보통의 빠르기의 운지법 사용을 필요로 하는데 테크닉적으로 까다로운 구간이 몇 군데 있습니다. 이 섹션은 반복을 포함하고 있어서 연주자가 숨을 참으며 정확하게 연주할 수 있어야 하는 어려움이 있습니다. 하지만 더 어려운 부분은 따로 있습니다! 4. 중간의 B 섹션은 아주 긴 프레이즈로 이루어져 있고 숨을 쉴 수 있는 구간이 몇 군데 되지 않습니다. 이 부분도 반복을 포함하고 있어서 연주자의 지구력을 필요로 합니다. 또한 다 카포 표시로 인해 A 섹션을 모두 반복하는 형식입니다. 00:35 2
오레피치의 멜로디 스터디 #4 /ko/lessons/bdp329/#chapter-01-20 5. 이 스터디는 비슷한 연령대의 남성에 비해 대체적으로 2/3 정도만의 폐활량을 가진 것으로 알려진 여성 연주자에게 특별히 힘든 곡입니다.[1] 또한 연령대가 높은 연주자들에게도 소화하기 쉽지 않은 곡입니다. 평균적으로 60대 남성의 폐활량은 20대 남성에 비해 15% 정도 감소되는 것으로 알려져 있습니다.[2] 6. 저는 평생 동안 제 폐활량을 유지하기 위해 열심히 노력해 왔습니다. 하지만 지금의 나이인 61세에 이 곡을 연주하는 것은 저의 20대의 연주와 비교하면 훨씬 더 힘든 것이 사실입니다. 01:20 3
오레피치의 멜로디 스터디 #4 /ko/lessons/bdp329/#chapter-02-01 7. 그렇다면 어떻게 여러분의 지구력을 향상시킬 수 있을까요? 폐활량과 유산소성 체력을 향상시키는 방법은 몇 가지가 있습니다. 8. 다음 방법들을 고려해 보십시오. - 유산소 운동인 달리기, 수영, 또는 빠르게 걷기 등은 연주자에게 도움을 주는 운동입니다. - 강화 폐활량계(Incentive Spirometer)를 사용하면 폐활량을 늘릴 수 있다는 일부 근거가 있습니다. 이 기기는 들이마시는 호흡을 측정하고 폐를 최대한 확장하도록 돕습니다. - 긴 프레이즈나 긴 음을 연습하는 것 또한 도움이 됩니다. 9. 제가 루루를 통해 발간한 Wind Performer's Guide to Increasing Endurance (http://www.lulu.com/shop/terry-b-ewell/wind-performers-guide-to-increasing-endurance/ebook/product-20941958.html)에서는 더 자세한 내용과 추천 연습 방법에 대해 소개하고 있습니다.[3] 02:01 4
오레피치의 멜로디 스터디 #4 /ko/lessons/bdp329/#chapter-03-00 10. 물론 오레피치 스터디 4번에서는 순환 호흡을 사용할 수 있는 구간들이 많이 있습니다. 이 테크닉을 배우시는 데 관심이 있으신 분들은 제 다른 영상들을 시청해 보시기 바랍니다. 11. 하지만 이 스터디의 훈련 목적은 표시된 부분이나 쉼표에서만 숨을 쉬는 것입니다. 그래서 저는 이 곡을 연주할 때 순환 호흡을 사용하지 않습니다. 03:00 5
오레피치의 멜로디 스터디 #4 /ko/lessons/bdp329/#chapter-03-25 12. 마지막으로 호흡을 많이 사용하지 않아도 되는 리드를 고르는 것을 추천합니다. 구멍이 작은 리드나 끝이 얇은 리드를 사용하는 것이 도움이 됩니다. 03:25 6
오레피치의 멜로디 스터디 #4 /ko/lessons/bdp329/#chapter-03-38 13. 이 곡은 컬렉션 중 보석과 같은 곡입니다. 저는 여러분이 이 곡을 충분히 익히셔서 멋지게 완성하셨으면 좋겠습니다. 03:38 7
오레피치의 멜로디 스터디 #4 /ko/lessons/bdp329/#chapter-03-59 [연주: 오레피치의 멜로디 스터디 #4, 테리 율] [음악: 오레피치의 멜로디 스터디 #5, 연주: 테리 율] 03:59 8
오레피치의 멜로디 스터디 #5 /ko/lessons/bdp330/ 오레피치의 멜로디 스터디 #5 오레피치의 멜로디 스터디 #5. 명료한 연주와 작품의 난해한 부분에 대한 해설, 테리 율의 스터디 5번 연주. 번역: 최현지. 바순 디지털 교수 시리즈 #330. www.2reed.net. 오레피치의 멜로디 스터디 #5. 깔끔하고 명확한 연주와 곡의 난해함에 대해 강의한 영상. 스터디 5번 연주: 테리 율. 0
오레피치의 멜로디 스터디 #5 /ko/lessons/bdp330/#transcript-01 [음악: 오레피치의 멜로디 스터디 #5, 테리 율의 연주] 1
오레피치의 멜로디 스터디 #5 /ko/lessons/bdp330/#transcript-02 1. 오레피치 스터디 5번을 연주할 때 필요한 것을 한마디로 표현하자면 깔끔함 또는 명확함이라고 표현할 수 있습니다. 음 하나 하나가 깨끗하고 정확하게 연주되어야 합니다. 물론 플릭키들을 사용해서 연주해야 합니다. 여기서 쓰여지는 액센트는 거칠게 표현하기 보다는 음을 강조해 주는 역할로 쓰여졌습니다. 이 스터디는 에너지가 넘치고 쾌활한 분위기의 곡으로써 우리가 전에 살펴 보았던 좀 더 서정적인 스터디들과는 차이가 있습니다. 2
오레피치의 멜로디 스터디 #5 /ko/lessons/bdp330/#transcript-03 2. 하지만 이 곡에서 분위기가 바뀌는 B 섹션도 있는데 이 부분은 좀 더 다정하고 서정적으로 표현해야 합니다. 3
오레피치의 멜로디 스터디 #5 /ko/lessons/bdp330/#transcript-04 3. 또한 재현부 전에서 저는 랄렌탄도 (점점 느리게) 로 연주 속도를 조절합니다. 이것은 청중들에게 음악이 다시 곡의 처음 멜로디로 돌아갈 것을 알려주는 신호입니다. 4
오레피치의 멜로디 스터디 #5 /ko/lessons/bdp330/#transcript-05 4. 오레피치의 스터디 5번 연주 전에 마지막으로 이 말씀을 드리고 마무리 하겠습니다. 사람은 인생을 살면서 여러가지 이해하기 힘든 일들을 겪을 때가 있습니다. 저도 제가 이해할 수 없는 일들을 겪은 적이 있습니다. 오레피치 스터디 5번, 그리고 6번도 이와 같이 좀 이해하기 어려운 부분들이 있습니다. 제가 다음 영상에서 준비한 오레피치 6번에 대한 설명은 그래도 이해가 쉽습니다. 하지만 오레피치 5번에 대한 설명은 제 자신조차도 이해하기가 쉽지가 않습니다. 5
오레피치의 멜로디 스터디 #5 /ko/lessons/bdp330/#transcript-06 5. 오레피치는 이 악장을 알레그레토 소스티뉴토 (조금 빠르고 음을 눌러서 무겁게) 로 연주하라고 표시했습니다. 하지만 시작 멜로디는 음을 눌러서 무겁게 연주할 것이 거의 없습니다. 모든 음들은 짧게 끊어서 연주하는 스타카토 음들이기 때문입니다. 물론 곡의 중간 부분은 음을 늘려서 무겁게 연주할 부분이 있지만 전체를 보았을 때 이 설명은 이상한 부분이 확실히 있습니다. 제 생각에는 오레피치가 알레그레토 소스티뉴토라고 표시한 것은 하나하나의 음에 대한 설명이라기 보다는 전체적인 곡의 템포에 대해서 얘기한 것이라고 생각합니다. 그렇기 때문에 일정한 속도를 유지하며 곡을 연주하는 것이 필요합니다. 6
오레피치의 멜로디 스터디 #5 /ko/lessons/bdp330/#transcript-07 6. 앞서 말씀드린 것 같이 저는 아직도 이 곡이 잘 이해가 안 가는 부분이 있습니다. 하지만 그렇다고 해서 오레피치의 스터디들을 연주하지 않고 버려두지는 않을 것입니다. 이 곡들은 아름다운 곡들이고 설사 제가 조금 이해하지 못하는 부분이 있다고 해도 그것이 저에게는 크게 문제가 되지 않습니다. 이것은 제 신앙에 있어서도 마찬가지입니다. 제가 이해하지 못하는 부분들이 분명히 있지만 제가 모든 걸 이해하지 못한다고 해서 제 신앙을 모두 버려 버리지는 않을 것입니다. 거기에는 너무나 큰 아름다움이 있고 하나님과의 충만한 교제가 있기 때문에 그것은 정말 소중하고 큰 가치가 있습니다. 7
오레피치의 멜로디 스터디 #5 /ko/lessons/bdp330/#transcript-08 7. 그러니 여러분도 이 오레피치 5번 곡을 즐겨 주시기 바랍니다. 8
오레피치의 멜로디 스터디 #5 /ko/lessons/bdp330/#transcript-09 [오레피치 멜로디 스터디 5번 연주] 9
오레피치의 멜로디 스터디 #5 /ko/lessons/bdp330/#transcript-10 [음악: 오레피치의 멜로디 스터디 #5, 테리 율의 연주] 10
오레피치의 멜로디 스터디 #6 /ko/lessons/bdp331/ 오레피치의 멜로디 스터디 #6 오레피치의 멜로디 스터디 #6. 숨겨진 선율을 찾아 독주와 반주의 역할을 동시에 표현하는 방법, 바람직하지 않은 연주 사례와 테리 율의 연주. 번역: 최현지. 바순 디지털 교수 시리즈 #331. www.2reed.net. 오레피치의 멜로디 스터디 #6. 이 곡에 숨겨진 멜로디와 선율 및 반주의 두 역할을 모두 연주해야 하는 이유를 설명합니다. 바람직하지 않은 연주의 예도 포함되어 있습니다. 0
오레피치의 멜로디 스터디 #6 /ko/lessons/bdp331/#transcript-01 음악: 오레피치의 멜로디 스터디 #5, 테리 율의 연주 1
오레피치의 멜로디 스터디 #6 /ko/lessons/bdp331/#chapter-00-00 1. 오레피치의 스터디 6번은 그의 20개의 스터디들 중 아마도 가장 이상한 곡일지 모르겠습니다. 오레피치 자신도 이 곡을 가지고 고민했던 것을 볼 수 있습니다. 이 곡의 숨표는 사실 숨을 쉬는 구간을 표시한 것이 아닙니다. 레오나르드 샤로우(Leonard Sharrow)는 16분음표 다음에 숨을 쉬는 것이 아니라 8분음표 다음에 숨을 쉬어야 한다고 적절하게 지적합니다. 여기서 보시는 숨표는 네 마디로 이루어진 프레이즈를 나타내는 표시로 보는 것이 더욱 적절합니다. 00:00 2
오레피치의 멜로디 스터디 #6 /ko/lessons/bdp331/#chapter-00-49 2. 저는 이 곡이 정말 듣기 싫게 연주되는 것을 들은 적이 몇 번 있습니다. 이 연주를 한번 들어 보시기 바랍니다. 음악: 스터디 #6의 도입부 3. 들으신 대로 이 연주는 악보의 음들을 모두 연주했다는 사실 말고는 좋은 점을 찾기가 어렵습니다. 사실 듣기에 좋거나 아름답지 않습니다. 00:49 3
오레피치의 멜로디 스터디 #6 /ko/lessons/bdp331/#chapter-01-26 4. 우리는 아름다운 것을 추구합니다. 하나님은 하나님의 때에 모든 것을 아름답게 만드십니다. 제 생각에는 오레피치도 이 곡을 통해 아름다움을 만들었습니다. 각 마디의 첫 번째 음을 멜로디로 생각해 보겠습니다. 01:26 4
오레피치의 멜로디 스터디 #6 /ko/lessons/bdp331/#chapter-01-37 음악: 숨겨진 멜로디 시범 5. 들으신 연주에서는 몇 음들의 옥타브를 조정해서 연주하였습니다. 여러분들은 이 멜로디의 윤곽과 선율을 들으실 수 있으셨을 겁니다. 이 곡에 숨겨진 것이 바로 이 멜로디입니다. 01:37 5
오레피치의 멜로디 스터디 #6 /ko/lessons/bdp331/#chapter-02-32 6. 이것은 여러분이 연주자로서 표현하셔야 할 숙제입니다. 솔로 연주자로서 선율을 강조함과 동시에 반주자로서의 역할도 해야 합니다. 악보의 16분음표들은 화려하고 정교함과 동시에 이 아름다운 선율을 받쳐 주는 역할을 해야 합니다. 이것은 정말로 흥미를 일으키는 숙제입니다. 이것이 이 곡 시리즈에서 보여주는 오레피치의 천재적인 부분 중 하나입니다. 이 멜로디는 특별합니다. 다른 곡들과는 음악적으로 요구되는 것이 매우 다릅니다. 여러분은 연주자로서 이 부분을 고민해 보아야 하며 이 선율의 표현 방법에 대해 완벽히 숙지하고 있어야 합니다. 02:32 6
오레피치의 멜로디 스터디 #6 /ko/lessons/bdp331/#chapter-03-42 오레피치의 멜로디 스터디 #6 연주: 테리 율 마무리 음악: 오레피치의 멜로디 스터디 #5, 테리 율의 연주 03:42 7
누가 바순을 연주해야 하는가? /ko/lessons/bdp341/ 누가 바순을 연주해야 하는가? 테리 율이 바순 연주의 장점과 악기를 시작하기 전에 생각해야 할 점을 설명합니다. BDP #24의 리메이크입니다. 테리 율이 바순 연주의 장점과 악기를 시작하기 전에 생각해야 할 점을 설명합니다. BDP #24의 리메이크입니다. 0
누가 바순을 연주해야 하는가? /ko/lessons/bdp341/#chapter-00-00 음악: 오레피치의 멜로디 스터디 제5번 1. 안녕하세요. 테리 율입니다. 이번 영상에서는 제가 가장 좋아하는 악기인 바순에 대해 말씀드리려고 합니다. 저는 모든 사람이 이 훌륭한 악기를 한 번쯤 경험해 보기를 바랍니다. 그러나 안타깝게도 모든 사람이 바순에 적합한 것은 아니며, 바순 또한 모든 사람에게 맞는 악기는 아닙니다. 00:00 1
누가 바순을 연주해야 하는가? /ko/lessons/bdp341/#chapter-00-37 2. 지금 이 영상을 보고 계신다는 사실만으로도 여러분은 바순과 잘 맞는 성향을 가지고 있을 가능성이 있습니다. 제가 오랫동안 가르치면서 느낀 점은 바순을 선택하는 학생들은 대체로 독립적인 사고를 하고, 남들과 다른 것을 두려워하지 않으며, 새로운 도전을 즐긴다는 것입니다. 바순 연주자들은 조금 독특한 면이 있고 색다른 것을 즐기는 경우가 많습니다. 만약 이것이 여러분의 모습이라면, 여러분은 자신에게 잘 맞는 악기를 찾은 것입니다. 00:37 2
누가 바순을 연주해야 하는가? /ko/lessons/bdp341/#chapter-01-10 3. 그러나 단순히 관심이 있다는 것만으로는 충분하지 않습니다. 여러분이 바순과 정말 잘 맞는지 생각해 보는 것이 중요합니다. 이 영상은 네 개 언어로 제작되었습니다. 따라서 여러분의 지역이나 문화에 따른 모든 상황을 다 설명하지는 못합니다. 하지만 다음의 내용을 통해 여러분이 바순을 선택하는 데 도움이 되기를 바랍니다. 제 생각에는 바순을 연주하기 전에 고려해야 할 점이 두 가지 있으며, 바순만이 가진 큰 장점도 세 가지가 있습니다. 첫 번째 고려 사항 — 손가락 길이 01:10 3
누가 바순을 연주해야 하는가? /ko/lessons/bdp341/#chapter-01-52 4. 일반적으로 바순은 다른 악기보다 손이 조금 큰 사람에게 유리합니다. 먼저 왼손으로 세 번째 구멍(C홀)을 막은 상태에서 스피커 키(플릭 키)까지 손이 편안하게 닿는지 확인해 보십시오. 5. 만약 이 동작이 불편하다면 해결 방법이 있습니다. 학생용 바순 가운데에는 C홀을 대신 막아 주는 보조 키가 있는 모델들이 있습니다. 이러한 장치는 손이 작은 학생들에게 큰 도움이 됩니다. 6. 이번에는 오른손 새끼손가락이 F# 키에 편안하게 닿는지 확인해 보십시오. 손받침이나 크러치를 사용하지 않는 경우에는 대부분 큰 문제가 되지 않습니다. 7. 호주와 유럽에서는 어린 학생들이 처음 바순을 배울 때 미니 바순(Tiger Bassoon) 으로 시작하는 경우도 있습니다. 손이 충분히 자랄 때까지 사용할 수 있는 훌륭한 입문용 악기입니다. 두 번째 고려 사항 — 가격 01:52 4
누가 바순을 연주해야 하는가? /ko/lessons/bdp341/#chapter-03-09 8. 두 번째로 고려해야 할 점은 악기의 가격입니다. 학생용 바순은 일반적으로 학생용 클라리넷보다 10~15배, 학생용 플루트보다 4~5배, 학생용 오보에보다 약 2배 정도 비쌉니다. 따라서 학교에서 악기를 대여할 수 있는지, 아니면 직접 구입해야 하는지를 신중하게 고려해야 합니다. 9. 음정이 좋지 않거나 여러 가지 문제가 있는 저가형 바순을 구입하는 것은 권하지 않습니다. 좋지 않은 악기로 시작하는 것은 어린 학생에게 매우 좋지 않은 경험이 될 수 있으며, 아무리 성실한 학생이라도 흥미를 잃게 만들 수 있습니다. 바순을 구입할 때에는 Fox Corporation에서 제작한 악기와 충분히 비교해 보시기를 권합니다. 10. 저는 Fox Corporation의 후원을 받고 있지 않으며, 특정 제작사를 추천하는 것을 늘 조심해 왔습니다. 그러나 시중에는 품질이 좋지 않은 저가형 바순이 너무 많기 때문에 충분한 비교가 필요하다고 말씀드리는 것입니다. Fox와 Renard 바순은 업계의 표준으로 인정받고 있습니다. Renard는 Fox Corporation의 학생용 바순 브랜드입니다. 11. 그러나 고려해야 할 비용은 악기 가격만이 아닙니다. 바순 리드는 일반적으로 클라리넷 리드보다 약 10배 정도 비싸며, 대부분의 경우 오보에 리드보다도 더 비쌉니다. 이러한 유지 비용도 악기를 선택할 때 반드시 고려해야 합니다. 03:09 5
누가 바순을 연주해야 하는가? /ko/lessons/bdp341/#chapter-05-02 12. 이제 바순을 연주할 때 얻을 수 있는 여러 장점들에 대해 말씀드리겠습니다. 장점 1 — 2reed.net과 Los Fagotistas 05:02 6
누가 바순을 연주해야 하는가? /ko/lessons/bdp341/#chapter-05-10 13. 저는 전 세계 바순 연주자들을 위해 무료 교육 자료를 제공하는 일을 제 삶의 중요한 사명 가운데 하나로 생각하고 있습니다. 바순을 공부하는 데 필요한 비용을 줄이는 것이 제 목표입니다. 2reed.net을 활용하면 악보 구입비, 레슨비, 반주자 비용 등을 크게 절약할 수 있습니다. 제 웹사이트에는 수천 개의 무료 자료와 영상이 있으며, 저는 40년이 넘는 기간 동안 이러한 자료를 만들어 왔습니다. 특히 이 영상에서 시작되는 온라인 교육 과정은 초급자부터 대학원 수준의 연주자에 이르기까지 전 과정을 체계적으로 다루고 있습니다. 14. 스페인어 사용자들에게는 Los Fagotistas라는 훌륭한 웹사이트도 추천합니다. Carlos Arias Sanchez가 운영하는 이 사이트에는 여러 바순 연주자들과 교수들이 제공하는 훌륭한 무료 자료가 있습니다. 장점 2 — 교정기를 착용한 상태에서의 연주 05:10 7
누가 바순을 연주해야 하는가? /ko/lessons/bdp341/#chapter-06-25 15. 두 번째 장점은 치아 교정기나 치과용 장치를 사용하는 학생들에게 있습니다. 바순의 엠부슈어는 비교적 관대하여 금관악기나 싱글리드 악기처럼 앞니에 강한 압력을 가하지 않습니다. 치아 교정기를 착용하면 플루트 연주는 특히 어려워질 수 있지만, 바순에서는 그러한 문제가 훨씬 적습니다. 장점 3 — 악기의 희소성 06:25 8
누가 바순을 연주해야 하는가? /ko/lessons/bdp341/#chapter-06-57 16. 마지막 장점은 바순이라는 악기의 희소성입니다. 재능 있는 학생들은 앙상블에 참여할 기회가 더 많으며, 연주 경험도 더 많이 쌓을 수 있습니다. 또한 바순은 성인 아마추어에게도 매우 좋은 악기입니다. 모든 목관오중주에는 플루트 연주자 수만큼 바순 연주자가 필요하지만, 실제 바순 연주자의 수는 훨씬 적기 때문에 다양한 앙상블과 공연에 참여할 기회가 매우 많습니다. 06:57 9
누가 바순을 연주해야 하는가? /ko/lessons/bdp341/#chapter-07-29 17. 오늘의 영상이 여러분께 도움이 되었기를 바랍니다. 여러분이 제가 가장 사랑하는 악기인 바순을 선택하게 된다면 저는 정말 기쁠 것입니다. 저는 여덟 살 때부터 바순을 연주하기 시작했고, 55년이 지난 지금도 이 아름다운 악기를 손에 들 때마다 여전히 설레는 마음을 느낍니다. 감사합니다. 음악: 오레피치의 멜로디 스터디 제5번 07:29 10
왕벌의 비행 /ko/lessons/bdp41/ 왕벌의 비행 림스키코르사코프의 「왕벌의 비행」을 이웰이 편곡한 버전의 연주입니다. 「왕벌의 비행」은 오페라 「술탄 황제 이야기」의 곡입니다. Terry B. Ewell, Bassoon Digital Professor 영상 41번. 0
텔레만 레슨 1 /ko/lessons/bdp301/ 텔레만 레슨 1 텔레만 F 도리안(F단조) 소나타의 소개. 가장 적합한 악보 에디션, 선율과 화성, 그리고 반주에 대한 해설. **텔레만 F 도리안 모드(F단조) 소나타에 대한 소개** 테리 율이 이 곡의 가장 적합한 악보 에디션과 곡의 선율적·화성적 특징, 그리고 콘티누오 반주에 대해 설명합니다. 연주 - Terry B. Ewell — 바순 - Eva Mengelkoch — 하프시코드 - Frances Borowsky — 첼로 바순 디지털 교수 시리즈 #301 번역: 최현지 www.2reed.net 한국어 대본은 ([여기](https://2reed.net/Korean/transcripts/TelemannF1_bdp301_TranscriptKo.html))에서 보실 수 있습니다. 0
텔레만 레슨 1 /ko/lessons/bdp301/#chapter-00-00 **0:00 소개** **음악: 텔레만 F 도리안 소나타, 제3악장** 연주: Terry B. Ewell — 바순, Eva Mengelkoch — 하프시코드, Frances Borowsky — 첼로 1. 바순을 위한 텔레만의 유명한 작품인 이 곡에 관한 영상 시리즈를 시청해 주시는 여러분을 환영합니다. 제 이름은 테리 율입니다. 이 영상은 소나타에 관한 간단한 소개를 하고 앞으로 이어질 영상 시리즈의 내용을 이해하는 데 도움을 드리기 위한 것입니다. 00:00 1
텔레만 레슨 1 /ko/lessons/bdp301/#chapter-00-31 **0:31 텔레만과 그의 작품 세계** 2. 게오르크 필리프 텔레만은 바로크 시대의 독일 작곡가입니다. 그는 뛰어난 음악적 재능과 왕성한 작품 활동으로 당대에 큰 명성을 얻었습니다. 이 소나타가 사랑받는 이유는 작품 자체의 뛰어남뿐 아니라, 당시 존재하던 거의 모든 음악 장르에서 수많은 작품을 남긴 텔레만의 명성 때문이기도 합니다. 그는 모두 3,000곡이 넘는 작품을 작곡한 것으로 추정됩니다. 00:31 2
텔레만 레슨 1 /ko/lessons/bdp301/#chapter-01-09 **1:09 바순을 위한 세 작품** 3. 솔로 바순을 위해 쓰인 훌륭한 작품이 세 곡이나 있다는 것은 우리에게 큰 행운입니다. 이 소나타를 자세히 살펴보기 전에 약 20여 년 전에 출판된 두 작품을 먼저 소개하고자 합니다. 4. 텔레만의 **C단조(또는 C 도리안)** 소나티나와 **A단조 소나티나**는 F단조 소나타에 못지않게 훌륭한 작품입니다. 특히 A단조 소나티나는 매우 뛰어난 작품입니다. 01:09 3
텔레만 레슨 1 /ko/lessons/bdp301/#chapter-01-50 **1:50 두 개의 소나티나의 역사** 5. 이 두 소나티나의 역사는 매우 흥미롭습니다. 바순 독주 파트는 수세기 동안 전해졌지만 콘티누오, 즉 반주 파트는 사라졌습니다. 현대에는 두 종류의 판본이 출판되어 있습니다. **Amadeus** 판에서는 편집자가 반주를 추정하여 복원했지만, 여러 부분에서 그 결과가 만족스럽지 못합니다. 6. 그러나 오래된 바이올린 필사본이 발견되면서 **Schott** 판에서는 콘티누오 파트를 복원할 수 있게 되었습니다. A단조 소나티나의 여러 판본은 발견된 바이올린 판본을 포함하여 **imslp.org**에서 구할 수 있습니다. 01:50 4
텔레만 레슨 1 /ko/lessons/bdp301/#chapter-02-45 **2:45 F 도리안 소나타** 7. 바순을 위한 세 작품 가운데 가장 유명한 곡은 흔히 **F단조 소나타**라고 알려진 명곡입니다. 그러나 사실 이 작품은 **F 도리안 소나타**라고 부르는 것이 더 정확합니다. 02:45 5
텔레만 레슨 1 /ko/lessons/bdp301/#chapter-03-00 **3:00 권위 있는 에디션** 8. 이 소나타의 권위 있는 판본은 **imslp.org**에서 무료로 구할 수 있습니다. 또한 **Amadeus** 판에도 다시 인쇄되어 있습니다. 이제 이 악보를 함께 살펴보면서 작품을 더 잘 이해해 보겠습니다. 03:00 6
텔레만 레슨 1 /ko/lessons/bdp301/#chapter-03-17 **3:17 Der getreue Music-Meister** 9. 이것이 이 작품의 권위 있는 에디션입니다. 보시는 것처럼 **Der getreue Music-Meister**에 실려 있습니다. 이 텔레만 작품집의 44페이지를 보면 위에는 바순 독주 파트가, 아래에는 콘티누오 파트가 있습니다. 각 줄의 끝에 있는 작은 꼬불꼬불한 기호는 다음 음이 무엇인지를 알려 주는 표시입니다. 당시에는 다음 음을 매우 정중하게 알려 주는 방법이었습니다. 10. 예를 들어 첫 번째 줄 끝에 선이 그어진 꼬불꼬불한 기호가 보이는데, 이것은 보표 위의 **C음**을 의미합니다. 따라서 바순의 다음 음도 보표 위의 C입니다. 11. 덧붙여 말씀드리면, 이것은 원본 필사본이 아니라 복사본입니다. 12. 마지막 페이지를 보면 이 작품은 **플루트로도 연주할 수 있다**고 적혀 있습니다. 03:17 7
텔레만 레슨 1 /ko/lessons/bdp301/#chapter-04-30 **4:30 독특한 조표** 13. 이 작품은 매우 독특한 조표를 사용합니다. 보시면 내림표가 중복되어 표시되어 있습니다. 중복된 내림표를 제외하면 **B♭, E♭, A♭** 세 개만 남습니다. 따라서 이 작품은 **F단조(F Aeolian)** 가 아니라 **F 도리안 모드**로 작곡된 것입니다. 텔레만에게 도리안 모드는 일반적인 단조와는 다른 의미를 가지고 있었습니다. 04:30 8
텔레만 레슨 1 /ko/lessons/bdp301/#chapter-04-56 **4:56 도리안 모드와 에올리아 모드** 14. 바로크 시대, 특히 독일 지역의 작품들은 단순히 장조와 단조 두 가지로만 나눌 수 없습니다. 작곡가들은 장조와 단조뿐 아니라 **도리안**과 **에올리아** 같은 모드도 사용했으며, 각각은 서로 다른 음악적 표현과 의미를 지녔습니다. 바흐와 텔레만에게도 이러한 모드의 사용은 매우 일반적인 일이었습니다. 04:56 9
텔레만 레슨 1 /ko/lessons/bdp301/#chapter-05-35 **5:35 Joel Lester의 『Modes and Keys』** 15. 조엘 레스터의 저서 **Between Modes and Keys: German Theory 1592–1802**는 독일 작곡가들의 사고방식을 매우 훌륭하게 설명하고 있습니다. 16. 그는 다음과 같이 말합니다. > "하이든과 모차르트 시대에 이르기까지도 키른베르거와 같은 독일 음악이론가들은 작곡가와 연주자 모두에게 모드에 대한 지식이 반드시 필요하다고 주장하였다." **6:11 텔레만과 도리안 모드** 17. 물론 텔레만이 특정 모드에 어떤 의미를 부여했는지는 정확히 알 수 없습니다. 각 모드가 그에게 특별한 감정을 의미했을 수도 있습니다. 그러나 저는 텔레만이 왜 이 작품에서 에올리아 모드 대신 도리안 모드를 선택했는지에 대해 몇 가지 생각을 가지고 있습니다. 이것은 작품 전체에 영향을 미치는 매우 중요한 결정입니다. 05:35 10
텔레만 레슨 1 /ko/lessons/bdp301/#chapter-06-42 **6:42 도리안 음계와 D♭** 18. 내림표 세 개를 사용하는 도리안 모드는 **D♮**를 포함합니다. 반면 내림표 네 개를 사용하는 에올리아 모드는 **D♭**를 포함합니다. 바로크 시대 이후 에올리아 모드는 단조를 표현하는 표준적인 방식이 되었습니다. 에올리아 모드에서 D♭는 음계의 구성음이므로 특별한 해결이 필요하지 않으며 위나 아래 어느 방향으로도 진행할 수 있습니다. 06:42 11
텔레만 레슨 1 /ko/lessons/bdp301/#chapter-07-48 **7:48 제1악장의 D♭ 해결** 19. 하지만 도리안 모드에서 D♭가 사용될 때에는 반드시 임시표가 붙습니다. 이 임시표는 작곡가와 연주자 모두에게 특별한 의미를 가진 음이라는 것을 알려 주는 표시입니다. 특히 이 D♭가 아래 음으로 해결되는 진행은 제1악장의 매우 중요한 특징입니다. 20. 이것은 권위 있는 에디션의 첫 번째 페이지입니다. 보시는 것처럼 저는 제1악장에서 D♭가 아래 음으로 해결되는 부분을 빨간 선으로 표시해 두었습니다. 이것은 제1악장에서 매우 중요하고 두드러지는 특징입니다. 21. 바로크 시대에는 임시표가 단순히 눈에 띄는 표시만이 아니라, 이 음이 어떻게 해결될 것인지를 생각하게 만드는 역할도 했습니다. 여기에서는 반음 아래로 해결되는 진행이 필수적이며, 이 악장에서 자주 나타납니다. 07:48 12
텔레만 레슨 1 /ko/lessons/bdp301/#chapter-08-37 **8:37 F 도리안의 화성적 의미** 22. 또한 이 작품에서 도리안 모드를 사용함으로써 화성의 선택에도 제약이 생깁니다. 일반적인 단조 작품에서는 병행장조의 악장이 자주 등장합니다. 예를 들어 A단조 작품에는 C장조 악장이 나오는 경우가 많습니다. 그러나 텔레만의 **F 도리안 소나타**는 그렇지 않습니다. 제3악장은 병행장조인 **A♭장조** 대신 **도미넌트인 C단조**를 사용합니다. 23. 제3악장은 **E♭**와 **E♮** 사이의 독특한 대비가 특징입니다. E♭는 도리안 모드에 속하지만, E♮는 C화음을 F의 도미넌트로 기능하게 만들어 줍니다. 08:37 13
텔레만 레슨 1 /ko/lessons/bdp301/#chapter-09-35 **9:35 텔레만의 다른 모드 작품** 24. 텔레만은 F 도리안 소나타에서만 모드를 사용한 것이 아닙니다. 예를 들어 **Zwanzig kleine Fugen (20개의 작은 푸가)** 에서도 서문에 있는 표를 통해 매우 치밀하게 구성된 모드의 사용을 볼 수 있습니다. 25. 따라서 텔레만이 이 작품에서 도리안 모드를 선택한 것은 결코 우연이 아닙니다. 도리안 모드는 작품의 선율과 화성의 관계를 결정하는 중요한 역할을 합니다. 자, 이제 다음 내용으로 넘어가겠습니다. 09:35 14
텔레만 레슨 1 /ko/lessons/bdp301/#chapter-10-12 **10:12 바로크 소나타의 구조** 26. 대부분의 바로크 소나타는 두 개의 성부로 이루어진 작품이라는 사실을 이해하는 것이 매우 중요합니다. 하나의 선율은 높은 음자리표(또는 낮은 음자리표)에 있고, 또 하나의 선율은 낮은 음자리표에 있습니다. 이것은 고전주의나 낭만주의 시대의 대부분의 작품과는 매우 다른 특징입니다. 27. 이러한 두 개의 선율은 제2악장에서 아주 분명하게 나타납니다. 악장은 바순의 선율로 시작하며, 베이스에는 화성처럼 보이는 또 하나의 보조 선율이 있습니다. 바순이 쉬는 동안에는 그 선율을 베이스 라인이 이어받아 계속 진행하는 것을 볼 수 있습니다. 10:12 15
텔레만 레슨 1 /ko/lessons/bdp301/#chapter-10-58 **10:58 바로크 실내악의 동등한 파트너** 28. 바로크 실내악에서는 각 파트가 서로 동등한 파트너라는 사실을 연주자가 이해하는 것이 매우 중요합니다. 물론 베이스 파트는 화성의 기초를 담당하지만, 고전주의나 낭만주의 시대의 베이스 파트와는 달리 바로크 시대의 베이스 라인은 하나의 독립적인 선율이기도 합니다. 그래서 많은 바로크 소나타는 훌륭한 듀오 작품이 됩니다. 10:58 16
텔레만 레슨 1 /ko/lessons/bdp301/#chapter-11-27 **11:27 콘티누오 파트** 29. 아래 성부를 **콘티누오(Continuo)** 라고 합니다. 이 성부는 한 악기가 아니라 두 악기가 함께 연주합니다. 첼로나 바순이 베이스 라인을 연주하고, 하프시코드(또는 경우에 따라 오르간)의 왼손이 이를 함께 연주하여 독주 파트를 더욱 안정적으로 받쳐 줍니다. 11:27 17
텔레만 레슨 1 /ko/lessons/bdp301/#chapter-11-52 **11:52 숫자저음과 즉흥 연주** 30. 악보에 적힌 숫자는 연주해야 할 화성을 알려 주는 지시입니다. 어떤 의미에서는 바로크 음악은 고전주의 음악보다 재즈 음악과 더 비슷한 점이 있습니다. 바로크 음악에서는 모든 음이 악보에 적혀 있지 않으며, 재즈의 코드 차트처럼 연주자가 자신의 즉흥성과 음악성을 더하여 연주하도록 기대되었습니다. 31. 이 숫자는 하프시코드 연주자의 오른손에서 실제 화성으로 구현됩니다. 당시의 연주자들은 연주할 때마다 오른손의 반주를 새롭게 만들어 연주하였습니다. 11:52 18
텔레만 레슨 1 /ko/lessons/bdp301/#chapter-12-32 **12:32 마무리** 32. 지금까지 텔레만 F 도리안 소나타에 대해 간단히 살펴보았습니다. 이제 이 작품을 연주할 때 자주 나타나는 실수들에 대해 알아보겠습니다. 다음 영상을 시청해 주십시오. **음악: 텔레만 F 도리안 소나타 제4악장** 연주: - Terry B. Ewell — 바순 - Eva Mengelkoch — 하프시코드 - Frances Borowsky — 첼로 12:32 19
텔레만 레슨 2 /ko/lessons/bdp302/ 텔레만 레슨 2 텔레만 F 도리안(F단조) 소나타를 연주할 때 자주 발생하는 실수와 올바른 악보, 반주 활용법. **텔레만 F 도리안(F단조) 소나타 연주 시 자주 하는 실수** 테리 율이 올바른 악보의 선택, 반주의 활용, 그리고 피아니스트들이 자주 범하는 실수에 대해 설명합니다. 연주 - Terry B. Ewell — 바순 - Eva Mengelkoch — 하프시코드 - Frances Borowsky — 첼로 바순 디지털 교수 시리즈 #302 번역: 최현지 www.2reed.net 한국어 대본은 ([여기](https://2reed.net/Korean/transcripts/TelemannF2_bdp302_TranscriptKo.html))에서 보실 수 있습니다. 0
텔레만 레슨 2 /ko/lessons/bdp302/#chapter-00-00 **0:00 소개** **음악: 텔레만 F 도리안 소나타, 제3악장** 연주: - Terry B. Ewell — 바순 - Eva Mengelkoch — 하프시코드 - Frances Borowsky — 첼로 1. 저는 매릴랜드와 웨스트버지니아 지역에서 학생들을 대상으로 하는 여러 솔로 콩쿠르 대회에서 심사위원으로 활동하며 많은 학생들이 텔레만 F 도리안 소나타를 연주하는 것을 들었습니다. 그러면서 매년 많은 연주자들이 반복해서 범하는 일반적인 실수들을 접하곤 합니다. 여러분이 이 소나타를 공부할 때 이러한 실수를 피할 수 있도록 함께 살펴보겠습니다. 00:00 1
텔레만 레슨 2 /ko/lessons/bdp302/#chapter-00-41 **0:41 올바른 에디션 선택** 2. 첫 번째이자 어떤 면에서는 가장 심각한 실수는 좋지 않은 에디션의 악보를 사용하는 것입니다. 이 작품에는 여러 가지 에디션이 출판되어 있습니다. 예를 들어 이것은 제가 개인적으로 소장하고 있는 몇 가지 에디션입니다. 00:41 2
텔레만 레슨 2 /ko/lessons/bdp302/#chapter-00-59 **0:59 Popov 에디션의 문제점** 3. 그러나 일부 에디션은 원본에 없는 셈여림, 슬러, 심지어 음까지 바꾸어 연주자들에게 문제를 일으킵니다. 예를 들어 IMSLP에서 구할 수 있는 러시아 판을 보겠습니다. 바순 파트의 편집자는 러시아의 위대한 바순 연주자 **발레리 포포프(Valery Popov)** 입니다. 4. 저는 권위 있는 에디션과 다른 부분을 노란색으로 표시했습니다. 우선 조표가 세 개의 내림표가 아니라 네 개의 내림표로 되어 있습니다. 또한 첫 번째 마디에는 원본에는 없는 **포르테** 표시가 들어 있습니다. 5. 저도 실제 연주에서는 그 부분을 포르테로 연주합니다. 그러나 지금은 원본과의 차이를 설명하는 것입니다. 괄호 안의 **피아노**는 텔레만이 직접 표시한 것입니다. 다음 3마디의 괄호 안 **포르테** 역시 텔레만이 원래 악보에 적은 것입니다. 6. 심지어 음 자체도 바뀐 부분이 있습니다. 조금 아래를 보면 권위 있는 에디션에서는 **C2**인 음이 이 판에서는 **C3**으로 되어 있습니다. 원래는 바순의 낮은 C입니다. 00:59 3
텔레만 레슨 2 /ko/lessons/bdp302/#chapter-02-27 **2:27 International Music Company 에디션** 7. **International Music Company** 에디션은 이보다도 더 많은 변경을 하고 있습니다. 먼저 첫 번째 줄을 함께 살펴보겠습니다. 02:27 4
텔레만 레슨 2 /ko/lessons/bdp302/#chapter-02-31 **2:31 권위 있는 에디션** **(영상에는 포함되지 않은 설명)** 8. 권위 있는 에디션은 **imslp.org**에서 무료로 사용할 수 있습니다. 인터넷을 사용할 수 있다면 누구나 권위 있는 에디션을 무료로 볼 수 있으므로, 오늘날 바순 연주자가 원본 악보를 참고하지 않고 연주하는 것은 변명의 여지가 없습니다. 이 권위 있는 에디션의 특징은 지난 영상에서 자세히 설명했으니 아직 보지 않으셨다면 먼저 참고하시기 바랍니다. 9. 이 악보에는 조표의 변화, 음 위에 추가된 대시, 메조 포르테, 크레센도와 디미누엔도, 그리고 슬러 등이 추가되어 있습니다. 연주자는 이러한 표현을 사용할 수도 있지만, 먼저 **텔레만이 실제로 무엇을 썼는지**를 정확히 이해한 후에 자신의 해석을 더해야 합니다. 그러므로 가장 먼저 권위 있는 에디션을 공부하는 것이 매우 중요합니다. 02:31 5
텔레만 레슨 2 /ko/lessons/bdp302/#chapter-03-05 **3:05 IMSLP와 Amadeus 에디션** 10. 지난 영상에서 이미 말씀드렸듯이 IMSLP에서 이 권위 있는 에디션을 찾을 수 있습니다. 이 에디션은 텔레만 작품집에서 가져온 것입니다. 현대판을 사용하려면 반드시 이 에디션을 참고하시기 바랍니다. 11. 이 권위 있는 버전은 **Amadeus** 에디션에도 그대로 재수록되어 있습니다. 현대판을 구입하려면 제가 추천하는 것은 이 에디션뿐입니다. 03:05 6
텔레만 레슨 2 /ko/lessons/bdp302/#chapter-03-46 **3:46 반주와 함께 연습하기** 12. 연습할 때 반주 없이 연습하는 것은 오늘날 많은 학생들에게 흔한 문제입니다. 특히 코로나19 기간에는 더욱 그랬습니다. 13. 하지만 이 문제는 제 웹사이트 **2reed.net**을 방문하면 쉽게 해결할 수 있습니다. 이곳에는 다양한 형식의 반주 파일이 준비되어 있으며, 가장 많은 자료는 **MIDI** 형식으로 제공됩니다. 보시는 것처럼 예전에 제작된 파일들도 있고, 이번 영상 시리즈를 준비하면서 새롭게 제작한 파일들도 있습니다. 14. **MP3** 파일도 준비되어 있습니다. 웹사이트에서 클릭만 하면 바로 재생할 수 있습니다. 대부분의 악장에는 여러 가지 템포의 반주가 준비되어 있습니다. 페이지 아래에는 **IMSLP** 악보로 연결되는 링크도 있으며, 앞으로는 이 영상들의 링크도 함께 추가할 예정입니다. 03:46 7
텔레만 레슨 2 /ko/lessons/bdp302/#chapter-04-46 **4:46 첼로와 하프시코드 반주** 15. 새 파일 가운데 하나를 선택해서 들어보겠습니다. 여기서는 **첼로**와 **하프시코드** 두 악기를 들을 수 있습니다. 많은 학생들이 피아노 반주에만 익숙하지만, 이 반주는 실제로 텔레만이 의도했던 반주에 훨씬 더 가깝습니다. 이 작품이 작곡되었을 당시에는 피아노가 아직 반주 악기로 사용되지 않았습니다. 04:46 8
텔레만 레슨 2 /ko/lessons/bdp302/#chapter-05-13 **5:13 반주 연습의 장점** 16. 제가 이러한 반주 파일을 무료로 제공하고 있으므로, 이제는 반주 없이만 연습할 이유가 없습니다. 이 반주를 사용하면 작품을 더 빨리 익힐 수 있고, 독주 파트와 반주 파트의 관계도 훨씬 잘 이해하게 됩니다. 이 파일들로 충분히 연습하면 나중에 실제 반주자와 리허설할 때 훨씬 수월해질 것입니다. 05:13 9
텔레만 레슨 2 /ko/lessons/bdp302/#chapter-05-34 **5:34 바로크 건반 반주** 17. 그러나 많은 반주자들은 바로크 시대의 건반 반주를 어떻게 연주해야 하는지 잘 이해하지 못하는 경우가 많습니다. 18. 여기 **International Music Company** 에디션의 한 페이지가 있습니다. 피아니스트들은 일반적으로 가장 높은 음을 가장 크게 연주하여 선율을 부각하도록 교육받습니다. 그래서 대부분의 피아니스트들은 이 작품에서도 오른손의 높은 음을 베이스 파트보다 더 크게 연주하게 됩니다. 하지만 이것은 올바른 연주 방법이 아닙니다. 05:34 10
텔레만 레슨 2 /ko/lessons/bdp302/#chapter-06-04 **6:04 권위 있는 콘티누오 파트** 19. 이제 이 악장의 권위 있는 에디션을 보겠습니다. 건반 연주자를 위해 적혀 있는 것은 **베이스 음**뿐입니다. 숫자는 하프시코드 오른손이 연주해야 할 화음을 나타냅니다. 따라서 피아노 악보에 적혀 있는 오른손의 모든 음은 원래 악보에 있는 것이 아니라, 후대에 화성을 풀어 적은 것입니다. 06:04 11
텔레만 레슨 2 /ko/lessons/bdp302/#chapter-06-32 **6:32 베이스 라인 강조하기** 20. 텔레만이 반주자에게 실제로 준 **선율**은 왼손, 즉 **베이스 파트**에 있습니다. 이 베이스 파트는 보통 다른 악기가 함께 더블링하여 연주하기 때문에 자연스럽게 더 크게 들립니다. 반면 하프시코드의 높은 음역은 원래 소리가 작습니다. 따라서 반주자는 **베이스 라인을 강조**하고, 높은 음들은 가볍게 연주해야 합니다. 06:32 12
텔레만 레슨 2 /ko/lessons/bdp302/#chapter-06-58 **6:58 피아노를 위한 바로크 반주** 21. 이 주제에 대해 더 자세히 알고 싶으시다면 **바순 디지털 교수 시리즈 #42**, **「피아노를 위한 바로크 반주」** 영상을 참고하시기 바랍니다. 06:58 13
텔레만 레슨 2 /ko/lessons/bdp302/#chapter-07-05 **7:05 다음 영상: 꾸밈음** 22. 다음 영상에서는 **꾸밈음(Ornamentation)** 을 소개하고 텔레만 소나타의 여러 예를 살펴보겠습니다. 또한 여러분의 소나타 연주에 도움이 될 여러 참고 자료들도 소개해 드리겠습니다. **음악: 텔레만 F 도리안 소나타 제4악장** 연주 - Terry B. Ewell — 바순 - Eva Mengelkoch — 하프시코드 - Frances Borowsky — 첼로 07:05 14
텔레만 레슨 3 /ko/lessons/bdp303/ 텔레만 레슨 3 텔레만 F 도리안(F단조) 소나타의 셈여림표, 아티큘레이션, 그리고 꾸밈음 사용. **텔레만 F 도리안(F단조) 소나타의 추가적인 음악적 표현과 꾸밈음** 테리 율이 셈여림표, 아티큘레이션, 그리고 꾸밈음 사용에 대해 설명합니다. 연주 - Terry B. Ewell — 바순 - Eva Mengelkoch — 하프시코드 - Frances Borowsky — 첼로 바순 디지털 교수 시리즈 #303 번역: 최현지 www.2reed.net 한국어 대본은 ([여기](https://2reed.net/Korean/transcripts/TelemannF3_bdp303_TranscriptKo.html))에서 보실 수 있습니다. 0
텔레만 레슨 3 /ko/lessons/bdp303/#chapter-00-00 **0:00 소개** **음악: 텔레만 F 도리안 소나타, 제3악장** 연주: - Terry B. Ewell — 바순 - Eva Mengelkoch — 하프시코드 - Frances Borowsky — 첼로 1. 이번 영상에서는 텔레만 F 도리안 소나타의 솔로 파트에 사용되는 꾸밈음에 대해 전반적으로 설명하겠습니다. 또한 바로크 음악과 그 시대의 연주법을 더욱 잘 이해하고 연주할 수 있도록 제가 준비한 여러 참고 자료도 함께 소개하겠습니다. 00:00 1
텔레만 레슨 3 /ko/lessons/bdp303/#chapter-00-34 **0:34 권위 있는 에디션과 연주자의 추가 표현** 2. 소나타에 꾸밈음을 추가할 때 가장 먼저 살펴보아야 할 것은 **권위 있는 에디션**입니다. 보시는 것처럼 솔로 파트는 매우 간결합니다. 셈여림표, 슬러, 그리고 아티큘레이션이 거의 없으며, 필수적으로 추가해야 하는 꾸밈음과 선택적으로 넣을 수 있는 꾸밈음이 있습니다. 이제 이러한 주제들을 하나씩 살펴보겠습니다. 00:34 2
텔레만 레슨 3 /ko/lessons/bdp303/#chapter-01-07 **1:07 바로크 시대의 셈여림표** 3. 바로크 음악에서는 기본적으로 **피아노(piano)** 와 **포르테(forte)** 두 가지 셈여림만 사용됩니다. 바로크 음악의 에디션에서 **pp, mp, mf**와 같은 표기를 본다면, 그것은 작곡가가 아니라 후대의 편집자가 추가한 것이라고 생각하시면 됩니다. 물론 연주자는 이러한 셈여림을 사용할 수도 있습니다. 그러나 일반적으로는 **피아노와 포르테의 대비**만으로도 충분히 음악을 표현할 수 있습니다. 01:07 3
텔레만 레슨 3 /ko/lessons/bdp303/#chapter-01-54 **1:54 메아리 셈여림(Echo Dynamics)** 4. 제가 제1악장을 연주할 때는 빨간색으로 표시된 셈여림을 추가하여 사용합니다. 텔레만은 처음 세 마디에서 셈여림을 어떻게 사용할 수 있는지 좋은 예를 보여 줍니다. 두 번째 마디의 **메아리(Echo) 피아노**는 바로크 음악에서 매우 흔히 사용하는 표현입니다. 첫 번째 마디는 크게 연주하고, 두 번째는 메아리처럼 작게 연주합니다. 저는 같은 아이디어를 사용하여 11–12마디는 포르테로, 13–14마디는 메아리처럼 연주합니다. 또한 27–28마디도 25–26마디의 메아리 역할을 합니다. 01:54 4
텔레만 레슨 3 /ko/lessons/bdp303/#chapter-02-50 **2:50 악장 사이의 셈여림** 5. 셈여림은 악장 사이의 대비를 만드는 데에도 사용할 수 있습니다. 텔레만은 제3악장에 셈여림을 표시하지 않았지만, 저는 제3악장을 제4악장보다 전체적으로 조금 더 조용하게 연주하는 것이 적절하다고 생각합니다. 02:50 5
텔레만 레슨 3 /ko/lessons/bdp303/#chapter-03-09 **3:09 크레센도, 디미누엔도, 그리고 계단식 셈여림** 6. 바로크 음악에서는 크레센도와 디미누엔도가 일반적으로 많이 사용되지 않았다는 점을 기억해야 합니다. 18세기 후반의 **만하임 악파(Mannheim School)** 가 집단 크레센도와 같은 새로운 표현법을 발전시켰지만, 이러한 기법은 바로크 시대에는 일반적이지 않았습니다. 더욱이 당시의 대표적인 건반악기인 **하프시코드**는 크레센도나 디미누엔도를 연주할 수 없는 악기였습니다. 7. 따라서 바로크 시대의 셈여림은 **계단식(Terraced Dynamics)** 으로 표현되는 경우가 많았습니다. 저는 크레센도는 매우 절제하여 사용하고, 대신 프레이즈나 악장의 끝에서 디미누엔도를 사용하는 것을 권합니다. 03:09 6
텔레만 레슨 3 /ko/lessons/bdp303/#chapter-03-55 **3:55 메사 디 보체(Messa di Voce)** 8. 한 가지 중요한 예외가 바로 **메사 디 보체(Messa di Voce)** 입니다. 이 기법은 하나의 긴 음 위에서 크레센도와 디미누엔도를 하는 것입니다. 악보 첫 줄의 초록색 상자는 이 기법을 사용하기에 적합한 위치를 보여 줍니다. 3–4마디의 **B♭3**은 바로크 음악의 기준으로는 불협화음입니다. 따라서 메사 디 보체를 사용하여 이 음을 강조한 후 아래 음으로 해결하는 것이 좋습니다. 9. 7–8마디의 **D♭4** 역시 이 시리즈 첫 번째 영상에서 설명했듯이 F 도리안 음계에 속하지 않는 음입니다. 임시표는 이 음이 음계 밖의 음이라는 사실을 알려 주며, 앞에서 살펴본 **B♭3**과 마찬가지로 특별히 강조한 후 해결되어야 합니다. **음악: 텔레만 소나타, 제1악장** 03:55 7
텔레만 레슨 3 /ko/lessons/bdp303/#chapter-05-35 **5:35 슬러 추가하기** 10. 바로크 시대의 작곡가들은 대부분의 경우 연주자들이 필요에 따라 슬러를 추가하는 것을 허용했습니다. 이 소나타처럼 여러 악기로 연주되는 작품에서는 각 연주자가 자신의 악기에 가장 적합한 슬러를 선택하는 것이 자연스럽습니다. 예를 들어 제가 이 텔레만 소나타에서 사용하는 슬러는 플루트에서는 적합하지 않을 수도 있습니다. 11. 저는 일반적으로 빠른 악장보다 느린 악장에서 슬러를 더 많이 사용합니다. 이것이 느린 악장의 서정적인 분위기를 더 잘 표현해 준다고 생각합니다. 05:35 8
텔레만 레슨 3 /ko/lessons/bdp303/#chapter-06-19 **6:19 다양한 슬러와 아티큘레이션** 12. 슬러와 아티큘레이션을 다양하게 사용하는 것은 음악에 변화를 주고 흥미를 유지하는 좋은 방법입니다. 예를 들어 제2악장의 처음에서는 반복되는 음형의 슬러를 서로 다르게 연주합니다. 첫 번째는 슬러 없이, 두 번째는 슬러를 추가하여 연주합니다. 13. 제2악장의 후반부에서는 초록색 상자로 표시된 부분을 두 가지 방식으로 연주합니다. 첫 번째는 슬러를 사용하고, 두 번째는 스타카토로 연주합니다. **음악: 텔레만 소나타 제2악장** 06:19 9
텔레만 레슨 3 /ko/lessons/bdp303/#chapter-07-27 **7:27 John Miller의 아티큘레이션** 14. 존 밀러가 모차르트 바순 협주곡에 대해 강의한 내용에는 텔레만 작품에도 적용할 수 있는 중요한 아티큘레이션 아이디어가 담겨 있습니다. 존 밀러는 미국의 저명한 바순 연주자로, 그의 강의와 논문, 그리고 연주용 에디션은 바순계에 매우 큰 공헌을 하였습니다. 07:27 10
텔레만 레슨 3 /ko/lessons/bdp303/#chapter-07-48 **7:48 테크닉 구간의 슬러** 15. 슬러는 어려운 테크닉 구간을 보다 자연스럽게 연주하도록 도와주기도 합니다. 35마디 이후에서는 모든 16분음표를 텅잉하는 것보다 서로 인접한 음들을 슬러로 연결하는 것이 더욱 적절합니다. 또한 바로크 시대에는 도약하는 음보다 **인접한 음을 슬러로 연결하는 것**이 훨씬 일반적인 연주법이었다는 점도 기억하시기 바랍니다. 07:48 11
텔레만 레슨 3 /ko/lessons/bdp303/#chapter-08-12 **8:12 다양한 바로크 아티큘레이션** 16. 마지막으로 악보에 직접 적을 수 없는 중요한 요소가 있습니다. 바로크 시대의 연주법은 후대 음악보다 훨씬 다양한 아티큘레이션을 사용했습니다. 당시의 여러 연주법 서적에서는 다양한 텅잉 방법을 설명하고 있습니다. 하프시코드 역시 음의 길이와 타이밍 외에는 큰 변화를 만들기 어려운 악기이기 때문에, 뛰어난 연주자들은 매우 섬세한 아티큘레이션을 사용했습니다. 08:12 12
텔레만 레슨 3 /ko/lessons/bdp303/#chapter-08-50 **8:50 Tabuteau Drive와 음의 길이** 17. 제가 쓴 논문 **「A Bassoonist's Expansions upon Marcel Tabuteau's 'Drive'」** 에서는 비발디 A단조 협주곡의 한 구절을 예로 들어 다양한 음의 길이를 설명했습니다. 그림의 숫자는 음의 길이를 나타냅니다. 숫자가 클수록 음을 더 길게 연주합니다. 예를 들어 **5**는 가장 길게, **1**은 가장 짧게 연주합니다. 18. 이러한 미세한 음의 길이 변화는 특정 음을 다른 음보다 더 강조하거나 음악의 흐름을 여러 방식으로 표현하는 데 도움을 줍니다. 숫자가 큰 음일수록 더 많은 음악적 강조를 받게 됩니다. 08:50 13
텔레만 레슨 3 /ko/lessons/bdp303/#chapter-09-38 **9:38 필수 꾸밈음과 트릴** 19. 바로크 음악에는 원본 필사본에는 적혀 있지 않지만 반드시 연주해야 하는 꾸밈음들이 있습니다. 이러한 꾸밈음은 당시에는 너무나 일반적으로 사용되었기 때문에 작곡가들이 굳이 악보에 적을 필요가 없었습니다. 당시의 연주자들은 이러한 꾸밈음을 당연히 연주해야 한다는 것을 모두 알고 있었습니다. 이러한 예는 소나타 제1악장에서 찾아볼 수 있습니다. 각 섹션과 악장의 끝에서는 **트릴**이 반드시 필요합니다. 따라서 **18마디, 33마디, 그리고 37마디**에는 트릴을 넣어야 합니다. 09:38 14
텔레만 레슨 3 /ko/lessons/bdp303/#chapter-10-16 **10:16 화려한 꾸밈음과 디미뉴션** 20. 이제 바로크 음악에서 가장 흥미로운 부분으로 넘어가겠습니다. 화려한 꾸밈음(**Florid Ornamentation**)과 **디미뉴션(Diminution)** 은 이 소나타가 작곡되던 시대의 모든 음악가들이 사용하던 중요한 연주 기법이었습니다. 이 주제는 제가 이전에 제작한 다섯 편의 영상에서 자세히 다루었기 때문에 여기에서는 자세히 설명하지 않겠습니다. 2reed.net의 바로크 음악 자료 페이지와 그 영상들을 꼭 참고하시기 바랍니다. 10:16 15
텔레만 레슨 3 /ko/lessons/bdp303/#chapter-10-49 **10:49 John Miller 에디션** 21. 또한 존 밀러가 편집한 이 소나타 에디션도 참고하시기 바랍니다. 그 에디션에는 원래의 악보와 함께 존 밀러가 제안하는 꾸밈음도 함께 수록되어 있습니다. 10:49 16
텔레만 레슨 3 /ko/lessons/bdp303/#chapter-11-03 **11:03 Ewell 연주 에디션** 22. 또한 이 시리즈 마지막 영상과 함께 제공되는 마지막 두 악장의 **저의 연주 에디션**도 참고하시기 바랍니다. 11:03 17
텔레만 레슨 3 /ko/lessons/bdp303/#chapter-11-14 **11:14 다음 영상: 카덴차와 Flourishes** 23. 지금까지의 설명이 여러분께 도움이 되었기를 바랍니다. 다음 영상에서는 **카덴차**와 제가 **"Flourishes"** 라고 부르는 화려한 악구들을 살펴보며 꾸밈음에 대한 설명을 마무리하겠습니다. 또한 각 악장 사이의 중요한 **템포 관계**에 대해서도 함께 살펴보겠습니다. **음악: 텔레만 F 도리안 소나타, 제4악장** 연주: - Terry B. Ewell — 바순 - Eva Mengelkoch — 하프시코드 - Frances Borowsky — 첼로 11:14 18
텔레만 레슨 4 /ko/lessons/bdp304/ 텔레만 레슨 4 텔레만 F 도리안(F단조) 소나타의 카덴자, 플로리시스, 그리고 템포 관계. **텔레만 F 도리안(F단조) 소나타의 카덴자와 플로리시스, 그리고 템포** 테리 율이 이 곡과 바로크 시대의 다른 작품들에서 화려한 꾸밈음의 추가와 템포 결정에 대해 설명합니다. 연주 - Terry B. Ewell — 바순 - Eva Mengelkoch — 하프시코드 - Frances Borowsky — 첼로 바순 디지털 교수 시리즈 #304 번역: 최현지 www.2reed.net 한국어 대본은 ([여기](https://2reed.net/Korean/transcripts/TelemannF4_bdp304_TranscriptKo.html))에서 보실 수 있습니다. 0
텔레만 레슨 4 /ko/lessons/bdp304/#chapter-00-00 **0:00 소개** **음악: 텔레만 F 도리안 소나타, 제3악장** 연주: - Terry B. Ewell — 바순 - Eva Mengelkoch — 하프시코드 - Frances Borowsky — 첼로 1. 텔레만 F 도리안 소나타에 관한 네 번째 영상에서는 **카덴자**와 제가 **"플로리시스(Flourishes)"** 라고 부르는 연주 기법에 대해 알아보겠습니다. 또한 영상의 마지막에서는 악장 사이의 **템포 관계**에 대해서도 이야기하겠습니다. 00:00 1
텔레만 레슨 4 /ko/lessons/bdp304/#chapter-00-28 **0:28 바로크 음악의 카덴자** 2. 바로크 협주곡에서는 카덴자를 만드는 것이 매우 중요한 요소였습니다. 바로크와 고전주의 음악의 여러 카덴자 예시는 제 웹사이트를 참고하시기 바랍니다. 반면 바로크 소나타에서는 일반적으로 카덴자를 추가하지 않습니다. 그러나 이 소나타의 **제3악장**에서는 카덴자를 넣기에 적합한 부분이 있다고 생각합니다. 00:28 2
텔레만 레슨 4 /ko/lessons/bdp304/#chapter-00-59 **0:59 제3악장의 카덴자** 3. 제3악장 마지막 마디에서 저는 **C 도미넌트 화음**을 강조하기 위해 몇 개의 음을 추가했습니다. 이 카덴자는 다음 악장으로 곧바로 연결되므로 기존의 템포를 거의 그대로 유지하면서 연주합니다. 연주와 함께 보이는 악보는 **권위 있는 에디션**을 사용한 것입니다. **음악: 텔레만 제3악장** 00:59 3
텔레만 레슨 4 /ko/lessons/bdp304/#chapter-01-47 **1:47 제2악장의 플로리시스** 4. 저는 기교적인 악장의 마지막에서 적절한 기회가 있으면 화려한 음형, 즉 **플로리시스(Flourishes)** 를 추가하는 것을 좋아합니다. 제2악장의 마지막 줄은 이러한 음들을 추가하기에 아주 좋은 부분입니다. 연주와 함께 표시되는 악보는 권위 있는 에디션입니다. **음악: 텔레만 제2악장** 01:47 4
텔레만 레슨 4 /ko/lessons/bdp304/#chapter-02-31 **2:31 제4악장의 플로리시스** 5. 마지막 악장에서는 끝부분 두 번째 반복에서 **하행 음계**를 추가하여 연주하는 것을 좋아합니다. 연주와 함께 표시되는 악보는 권위 있는 에디션입니다. **음악: 텔레만 제4악장** 02:31 5
텔레만 레슨 4 /ko/lessons/bdp304/#chapter-03-07 **3:07 마지막 트릴** 6. 또한 중요한 악구나 악장의 끝을 마무리할 때 일반적으로 사용하는 것처럼, 저는 마지막에 **트릴**을 추가하여 연주합니다. 03:07 6
텔레만 레슨 4 /ko/lessons/bdp304/#chapter-03-18 **3:18 악장 사이의 템포 관계** 7. 저는 바로크 소나타의 여러 악장을 연주하면서 악장들 사이에 아무런 관계도 없는 템포를 사용하는 연주를 들을 때마다 이해하기 어렵습니다. 특히 이 소나타의 제3악장과 제4악장처럼 화성적으로 긴밀하게 연결된 악장에서는 더욱 그렇습니다. 03:18 7
텔레만 레슨 4 /ko/lessons/bdp304/#chapter-03-42 **3:42 제3악장과 제4악장의 연결** 8. 제3악장 마지막의 도미넌트 화음은 다음 악장과 끊을 수 없는 연결고리를 형성합니다. 저는 **안단테**의 4분음표 박자가 **Vivace**의 한 마디를 이루는 **점4분음표**의 박자와 거의 같은 속도로 이어지는 것이 가장 자연스럽다고 생각합니다. 03:42 8
텔레만 레슨 4 /ko/lessons/bdp304/#chapter-04-14 **4:14 탁투스(Tactus)와 역사적 템포 관계** 9. 저는 **악장 사이의 템포 관계**와 **탁투스(Tactus)** 에 대해 설명하는 여러 논문과 영상들을 제작했습니다. 10. 헨델 시대 런던의 연주 관습은 악장 사이의 템포 관계를 매우 중요하게 여겼던 것으로 보입니다. 이러한 사실은 **배럴 오르간(barrel organ)** 자료에서도 확인할 수 있습니다. 또한 크반츠(Quantz)를 비롯한 여러 이론가들의 글에서도 템포를 서로 연관된 것으로 이해했음을 알 수 있습니다. 저는 비발디 협주곡뿐 아니라 모차르트 바순 협주곡도 이러한 **템포 관계**를 고려하여 연주하는 것이 매우 설득력 있는 해석이라고 생각합니다. 여러분도 바로크와 고전주의 작품을 연주할 때 이러한 문제를 더욱 깊이 연구해 보시기를 권합니다. 04:14 9
텔레만 레슨 4 /ko/lessons/bdp304/#chapter-05-27 **5:27 추천하는 템포 관계** 11. 저는 **제1악장과 제2악장**을 연결할 때 **템포 108**을 추천합니다. 이것은 제1악장에서는 **8분음표 = 108**, 제2악장에서는 **4분음표 = 108**을 의미합니다. 또한 **제3악장과 제4악장**을 연결할 때에는 **템포 44**를 추천합니다. 이것은 제3악장에서는 **4분음표 = 44**, 그리고 마지막 악장에서는 **한 마디를 이루는 점4분음표 = 44**가 됩니다. 05:27 10
텔레만 레슨 4 /ko/lessons/bdp304/#chapter-06-18 **6:18 마무리** 12. 이것으로 텔레만 F 도리안 소나타에 대한 저의 강의를 모두 마치겠습니다. 이 영상들이 작품 자체뿐 아니라 당시의 연주 관습, 그리고 이 소나타를 보다 효과적으로 연습하고 연주하는 방법을 이해하는 데 도움이 되었기를 바랍니다. 이번 시리즈의 마지막 영상은 제가 2020년 1월에 동료인 **Dr. Eva Mengelkoch**와 **Dr. Frances Borowsky**와 함께 녹음한 연주입니다. 즐겁게 감상하시기 바랍니다. 13. 하나님의 이름으로 여러분을 축복합니다! 06:18 11
텔레만 레슨 4 /ko/lessons/bdp304/#chapter-06-49 **6:49 연주 영상** **음악: 텔레만 F 도리안 소나타, 제4악장** 연주: - Terry B. Ewell — 바순 - Eva Mengelkoch — 하프시코드 - Frances Borowsky — 첼로 06:49 12
텔레만 연주, 제3악장과 제4악장 /ko/lessons/bdp305/ 텔레만 연주, 제3악장과 제4악장 텔레만 F 도리안(F단조) 소나타 제3악장과 제4악장 연주. Terry B. Ewell — 바순; Eva Mengelkoch — 하프시코드; Frances Borowsky — 첼로. 바순 디지털 교수 시리즈 #305. www.2reed.net. 텔레만 F 도리안(F단조) 소나타 제3악장과 제4악장 연주. Terry B. Ewell — 바순; Eva Mengelkoch — 하프시코드; Frances Borowsky — 첼로. 바순 디지털 교수 시리즈 #305. www.2reed.net. 0

Bassoon Digital Professor #41.

왕벌의 비행

림스키코르사코프의 「왕벌의 비행」을 이웰이 편곡한 버전의 연주입니다.
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